Boyhood (2014)

Para quem ainda não tinha visto qualquer filme de Linklater até há dois meses atrás, como foi o meu caso, esta descoberta do autor pode ser fascinante. O realizador americano é alma, coração, nata absoluta na representação de vida, fases da vida e momentos fulcrais no desenvolvimento humano. Mas tudo com contraste na simplicidade e importância de cada etapa.

Esta ambição de Linklater é uma vez mais comprovada através de Boyhood. Neste seu novo projecto no qual acompanha o crescimento e desenvolvimento de Mason desde os 6 anos de idade até aos 18, Linklater e tenta recriar os sentimentos, pensamentos, vivências, experiências e relações que fazem parte desta longa e tenebrosa transição até à vida adulta.

Boyhood conta a história da vida de Mason mas encontra-se e procura identificar-se com o maior número de pessoas possível. É um filme que toca a todos e que não pode deixar ninguém indiferente. Provavelmente tudo isto é culpa da sua simplicidade, principalmente na forma como retrata os episódios da vida. Com ritmos bastante distintos ao longo do filme que lutam por ilustrar a instabilidade de humores na vida, que não é nem deve ser um mar de rosas.

Quanto mais penso no filme mais me apercebo da sua grandeza. Durante quase metade do filme tive dificuldade em perceber se era mesmo a história de vida de Mason ou se estávamos só a observar uma família. Mas até aqui Linklater foi genial. O início da nossa vida é rodeado por pessoas, sejam elas irmãos, pais, primos ou amigos. Essa dependência de outros vai desaparecendo e vamos procurando o nosso espaço, o nosso lugar e as pessoas com as quais mais nos identificamos. Tudo isto é brilhantemente, embora de forma subtil, evidenciado em Boyhood. À medida que Mason vai crescendo vamos vendo-o mais e mais independente, mais sozinho e determinado nos seus pensamentos. A pouco e pouco vai conquistando o seu lugar enquanto verdadeiro protagonista do filme. Tal qual como na vida de todos nós em que esse protagonismo pode/deve ser conquistado.

Boyhood foi, para mim, um verdadeiro espelho. E foi por isso mesmo que o achei genial. À obra e ao autor, que através do retrato mais simplista conseguiu encontrar e resolver a complexidade de ilustrar o crescimento e transição de uma criança para um jovem adulto de forma brilhante.

Mason: “I wish I could use the bumpers...”

Dad: “You don't want the bumpers, life doesn't give you bumpers.”

Gattaca (1997)

Gattaca é um thriller sci-fi distópico. A sociedade encontra-se dividida entre os “filhos de deus” (população de fecundação e nascimento comum, com todos os defeitos que o ser humano pode conter) e os geneticamente modificados. Estes últimos carecem de problemas de saúde ou de desequilíbrios psicológicos. Desejados por qualquer organização e considerados como um investimento seguro, estes seres de perfeição genética são os pilares da sociedade e constituem uma elite inalcançável por qualquer outro ser humano.

Não quero desvendar muito do plot do filme por risco de estragar possível experiência de visualização. Consequentemente resta-me constatar que estamos perante um obra que revitaliza a importância da acção humana num universo cada vez mais automatizado e desprovido de orientação intuitiva. É um filme que realça a importância e principal característica do ser humano. A força de vontade, a capacidade de sonhar e de seguir o que nos preenche o coração.

“You want to know how I did it? This is how I did it, Anton: I never saved anything for the swim back.” – Vincent

Interstellar (2014)

Posso afirmar desde já que Interstellar é, para mim, o melhor filme de Nolan até hoje. É uma obra ambiciosa, talvez a mais da sua carreira, tem os seus momentos de acção, tensão e ansiedade mas sobretudo, e aqui é o ponto de viragem em que Nolan me surpreendeu mais, é brutalmente emotivo. Até agora ainda não tinha visto um único filme de Nolan com tamanha capacidade de criar uma verdadeira relação emotiva com a audiência. A única situação até agora tinha sido em The DarkKnight Rises na discussão entre Bruce e Alfred. Mas nada desta dimensão. Nada que eu sentisse verdadeiramente que toda a sala de cinema tenha alcançado a real razão de ser do “herói”. Porque isto, o amor, deve ser das coisas mais exigentes de exprimir em cinema. Principalmente o familiar e associado à saudade, à distância e até à sua própria ausência. Esta foi a nova dimensão que Nolan adicionou à sua equação.

Interstellar é irrepreensível em termos técnicos. Banda sonora, edições, planos, sequências e cinematografia. Se o é também em linhas de argumento? Uns dirão que sim e outros que não. Eu fico-me pela objectividade de dizer que serve o seu propósito e que mais ou menos certeza teórica não é para aqui chamada porque no mundo do sci-fi as regras do jogo são as do maestro que compõe a estória.

Pode-se fazer a comparação que se quiser com os clássicos que já se sabe que são as matrizes deste tipo de ficção. Mas se esta é uma obra que vai ficar na história apenas o tempo o dirá. Quanto a mim, é para rever.

"We've always defined ourselves by the ability to overcome the impossible. And we count these moments. These moments when we dare to aim higher, to break barriers, to reach for the stars, to make the unknown known. We count these moments as our proudest achievements. But we lost all that. Or perhaps we've just forgotten that we are still pioneers. And we've barely begun. And that our greatest accomplishments cannot be behind us, because our destiny lies above us."

Dazed and Confused (1993)

Uma confissão: nunca tinha visto nenhum filme de Linklater. Já tinha tentado. Mas gosto mesmo muito de ver os filmes certos para a disposição que tenho no momento e parece que hoje acertei em cheio. Sempre ouvi (li) que Linklater é um génio. Mas só agora percebi o porquê.

Dazed andConfused é o retracto mais simples, perfeito e completo que vi até hoje sobre a adolescência. Se calhar por ser tão intemporal e por tocar em aspectos que ainda hoje são o espelho da juventude. A irreverência, ansiedade, ambição, coragem, comodidade, o encontrar do seu próprio “eu” bem como as amizades, os círculos de amigos e as relações amorosas e familiares.

Mostra-nos o último dia de aulas de um grupo de jovens do secundário e um outro do 3º ciclo. Entremeando a estória do grupo de finalistas com o grupo de caloiros através dos rituais de recepção aos novos alunos e das festas de início de verão. Linklater consegue representar todos os grupos, indivíduos, e personagens que existem na adolescência, seja o grupo dos intelectuais, o dos atletas, o dos que estão na sua a fumar umas ou simplesmente daqueles que não querem saber de quaisquer convenções sociais. Há todo o tipo de jovens que ainda hoje fazem parte da juventude escolar, seja nos EUA seja em Portugal.

Dazed and Consfused é irreverente, impaciente e assertivo tal como o seu objecto de estudo. A juventude. Se a estória só se passa num dia, acredito que seja para demonstrar isso mesmo. Que sentido faria contar uma estória passada durante um mês acerca de alguém que apenas vive o momento?

“Man, it's the same bullshit they tried to pull in my day. If it ain't that piece of paper, there's some other choice they're gonna try and make for you. You gotta do what Randall Pink Floyd wants to do man. Let me tell you this, the older you do get the more rules they're gonna try to get you to follow. You just gotta keep livin' man, L-I-V-I-N.” - Wooderson

The Internet’s Own Boy: The Story of Aaron Shwartz (2014)

Confesso que nunca tinha ouvido falar da pessoa em questão. Pode ter sido completa distracção minha ou provavelmente será mesmo a confirmação daquilo que o documentário procura provar.

Aaron Swartz foi um génio da Internet que tal como outros, fundou e ajudou a construir alguns dos melhores sites e sistemas de partilha de informação online. Diferente desses outros foi a sua motivação. Swartz não tentou criar nenhum império multimilionário. Foi motivado pela liberdade de informação e, principalmente, pela liberalização no acesso a documentos e artigos científicos. Acreditou no avanço da humanidade através do livre acesso a esse conhecimento. Por ser considerado um activista no país errado, encontrou-se preso a um processo que levou a melhor de si. Esta foi a sua luta e a sua vida.

Brian Knappenberger consegue um documentário solido. Tenta mostrar-nos um pouco da curta carreira de Aaron e justificar toda a sua luta. Do lado oposto da tela consegue colocar uma série de questões que, aparentemente, continuam sem resposta. Todas se predem com o facto de não se conseguir decifrar qual a motivação por parte do governo em colocar uma das maiores mentes da nossa era atrás das grades.

Um documentário cativante e emotivo que nos faz valorizar a vida e nos ajuda a reflectir acerca do nosso impacto num mundo cada vez mais globalizado.

“Aaron is Dead. Wanderers in this crazy world, we have lost a mentor, a wise elder. Hackers for right, we are one down, we have lost one of our own. Nurturers, carers, listeners, feeders, parents all, we have lost a child. Let us all weep. ” – Sir Tim Berners-Lee

Locke (2014)

Locke é sem dúvida um filme que vale a pena ver. Sim, é verdade que é, como no trailer, inteiramente passado dentro de um carro. Sim, é só a interacção de um único actor, em forma física, com uns outros tantos por telefone. Não, não é uma seca. Pelo contrário, é um filme que desde início prende o espectador ao ecrã.

Ivan Locke (Tom Hardy) é um bem-sucedido Director de construção que tem em mãos tanto a maior das obras que a sua carreira profissional lhe poderia oferecer, como a queda da maior edificação da sua vida familiar. Ivan vive atormentado com a sua não relação com o pai e, por isso, é obcecado em viver a vida nos limites éticos e morais de qualquer código de conduta e honra. Mas como não passa de um comum mortal Ivan tem um pequeno deslize. Alegoricamente, como explicado no filme aquando uma conversa entre Ivan e o seu encarregado, esse pequeno deslize pode ser visto como uma pequena fenda na fundição de um prédio. À medida que vamos acrescentando peso ao edifício, a fenda vai aumentando até ao ponto de fazer cair toda a estrutura. Neste caso, a fenda aparentemente já estava criada na vida de Ivan desde nascença. Tal como o próprio afirma “concrete is blood!”, o que nos diz que a natureza do seu pai acompanhou-o para a vida e que quanto mais Ivan escalou na hierarquia familiar e social, maior foi a sua queda.

É uma obra que prima pelo excelente e incontornável desempenho de um Tom Hardy que há muito precisava de um papel neste registo. Do trabalho que conheço de Hardy, este talvez será o seu melhor com a excepção de Bronson. É uma obra de aprimorada gestão de espaço, tempo e emoção, que consegue suportar toda a estrutura e entregá-la com sucesso ao espectador. Talvez este tenha sido o triunfo de Steven Knight.

Cinema em Cenas #7 - Mozart's originals - Amadeus (1984)

Uma das minhas cenas preferidas de um dos meus filmes preferidos. Penso que seja uma boa entrada para quem nunca viu o filme. Sem grandes SPOILERS, mas que carrega grande parte daquela que é a mensagem do filme. Uma pequena demonstração de genialidade, inveja e admiração.

Barry Lyndon (1975)

Não há dúvida que este será um dos melhores trabalhos de Kubrick e provavelmente um dos seus mais desvalorizados. Talvez pelo ritmo lento e de pouco entretenimento não será o tipo de filme que agrada ao espectador comum, mas, sem dúvida, vale a pena um pequeno esforço para aqueles que procuram uma verdadeira jóia do cinema.

Barry Lyndon é uma pequena odisseia de um jovem confuso e sem muitos princípios na europa do séc. XVIII. O acompanhar na vida de uma máscara fugida e escondida na dispersa sociedade aristocrática. Com passagens pelo exército, trapaças e tentativas de arrecadar títulos, esta obra acompanha o jovem irlandês desde o início da sua adolescência até o ponto mais alto a que a sua determinação e ambição o levaram. Tenta mostrar os interesses e a maldade do jogo de poderes na sociedade e pode ser transposto para a realidade dos nossos dias que vivemos numa sociedade cada vez mais provida interesses particulares em detrimento do bem comum.

Para mim, o mais interessante desta obra é sem dúvida toda a realização e envolvente que Kubrick consegue criar. Das duas vezes que tive o prazer de olhar para o ecrã e ver esta magnífica peça, fiquei obcecadamente preso naquelas cenas. Kubrick consegue o que qualquer realizador de filmes de época tenta... transportar o espectador para aquele mundo. É óbvio que não posso sequer imaginar como era a vida naquela época, mas o que se vê nesta obra é uma realidade que parece existir numa altura em que nem sequer havia câmaras. Ou seja, com os passeios de coche, as caminhadas à beira dos lagos, as festas e cerimónias, duelos, batalhas e cenas atrás de cenas filmadas somente à luz de velas sem recurso a luz artificial Kubrick transporta-nos, como poucos conseguem, para ali, para aquele momento.

Em última instância é um filme envolvente e, para mim, uma perfeita obra-prima, um quadro assinado por Stanley Kubrick.

“I’m not sure if I can say that I have a favourite Kubrick picture, but somehow I keep coming back to Barry Lyndon. I think that’s because it’s such a profoundly emotional experience.” Martin Scorcese

Cinema em cenas #5 – canzonetta sull’aria – The Shawshank Redemption (1994)

Uma das minhas cenas preferidas. Faz-nos pensar, sonhar e sentir livres. Pouco se pode dizer acerca deste cena, apenas ouvir, ver e sentir… 

“It was like some beautiful bird flapped into our drab little cage and made these walls dissolve away, and for the briefest of moments, every last man in Shawshank felt free”

The Grand Budapest Hotel (2013)

Foi maior a surpresa de entrar numa pequena sala de cinema em dia de estreia, pelo menos para mim, do que propriamente ver o que aí viria. É estranho entrar numa sala de uma grande superfície comercial para ver mais um filme de Wes Anderson e notar que se 250 pessoas quisessem ver este filme, teriam de se dividir em 2 sessões.

A verdade é que até acabou por transformar, no bom sentido, a própria experiência de visualização do filme. Grand Budapest Hotel é uma obra passada, como o título indica, num majestoso hotel situado numa república alpina imaginária. Mas essa grandeza não põe em causa o aspecto acolhedor e simpático que o gerente do Hotel tenta manter. Nesse aspecto, o facto de a sala ser de uma dimensão menor e o próprio público não se dar a sms nem escavações de baldes de pipoca, acabou por ajudar bastante a fazer-me sentir parte integrante daquele hotel, daqueles corredores e daquele icónico elevador.

Wes Anderson mostra mais um dos seus trabalhos. Desta vez conta-nos a estória de um Lobby Boy e da sua relação duradoura com o inigualável concierge do majestoso Grand Budapest Hotel. Uma ligação construída, desde o 1º dia, sob o olhar do espectador, com as lições, clichés e aventuras de um bom romance, narrado por Zero Moustafa, o recém-chegado Lobby Boy e actual proprietário do Grand Budapest.

Para quem nunca viu um filme de Wes Anderson, deve compreender que este realizador em particular tem um estilo narrativo bastante distinto do comum filme de domingo à tarde na tv. Neste caso, esse estilo saiu aprimorado. Vemos uma obra bastante apelativa ao olhar, como não podia deixar de ser em Wes, parece que estamos perante um autêntico Eye Candy. Cenários absolutamente extraordinários, planos e sequências perfeitamente orquestradas e imaginadas, screenplay de qualidade incontestável e claro, o cast, como sempre, a cereja no topo do bolo. Participam na obra nomes como Ralph Fiennes, AdrienBrody, Willem Dafoe, Bill Murray, Jude Law, Tilda Swinton, Saoirse Ronan, Edward Norton, F.Murray Abraham e o estreante Tony Revolori.

É um dos melhores trabalhos de Anderson, um dos mais cómicos e um dos mais carismáticos. Talvez pela perfeita harmonia entre personagens, desenvolvimento narrativo e construção dos cenários. Estava à espera de ver um filme de Wes Anderson e, sem surpresas, foi o que aconteceu.

“Keep your ands off my lobby boy!” Ralph Fiennes as Gustave H. the concierge

Cinema em Cenas #4 - Opening Scene - Raging Bull (1980)

A valsa de Jake La Motta. Sozinho, antes da batalha por si aguardada. Bem no inicio do filme, como se o que aí vem fosse o disfrutar de um verdadeiro combate de boxe.

Para mim esta é uma das melhores cenas de sempre, aquela que mais me prendeu sem fazer ideia da história que aí viria. Antecipa, subliminarmente, a natureza desta personagem arrebatadora e a incontestável performance de De Niro sob a direcção de, mais uma vez, Scorcese. É quase obrigatório rever esta cena assim que o filme acaba, como se fosse a verdadeira cereja que vem justificar a construção de todo o bolo.

Mononoke-Hime (1997)

 

A magia intrínseca nas obras de Miyazaki é incontestável. Acontece não só pela fantasia narrativa de cada peça e cada frame, como pela intencional aproximação a temas não tocados em outras obras de animação. Mais uma vez isso acaba por acontecer em Mononoke-Hime (Princess Mononoke) onde Miyazaki demonstra, na sua maneira sublime, o impacto nefasto da exploração humana dos recursos naturais numa era que se aproxima do início da revolução industrial japonesa.

Ashitaka procura a cura de uma doença/vírus/praga mortal que assola a sua região e acaba, enquanto viaja, por se deparar com uma guerra aberta entre os deuses da floresta e a cidade de Tatara. Liderada por Lady Eboshi, Tatara é uma colónia mineira com um imenso poder conseguido através do seu armamento de fogo, nitidamente sofisticado para a altura. Tão complexo quanto a ambição que Eboshi tem em vir a governar o mundo sem olhar a meios para alcançar os fins. Mesmo que isso passe por aniquilar toda a floresta e os seus deuses animais, gigantes dotados de capacidades ultranaturais.

É notória a mensagem complexa (ou não) inerente a esta obra intemporal do Mestre japonês. A crítica ao voraz consumo do planeta e o nosso impacto nos recursos imateriais e limitados que consumimos desmesuradamente. É uma verdadeira obra-de-arte da animação que parece mais direccionada para adultos do que para crianças, mas que se for bem pensada até que nem é má ideia começar por introduzir este tema desde tenras idades.

Narrator: “In ancient times, the land lay covered in forests, where, from ages long past, dwelt the spirits of the gods. Back then, man and beast lived in harmony, but as time went by, most of the great forests were destroyed. Those that remained were guarded by gigantic beasts who owed their allegiances to the Great Forest Spirit. For those were the days of gods and of demons...”

Her (2013)

A ambição de Spike Jonze (realizador e argumentista) é tão grande quanto o tema a que se compromete a abordar em Her. Apresenta-nos uma obra difícil de imaginar e, possivelmente, ainda mais complicada de executar, pela sua temática tão sentimental e abstracta como o amor, principalmente o amor enquanto paixão, atracção, carinho e sensualidade complicada de definir que sentimos por outro ser humano. Aqui será “humano” a nossa palavra-chave, uma vez que Jonze cria um mundo futurístico, não longínquo, em que o homem caminha para um universo despido de afecto, relações e interacções sociais entre seres-humanos. (Um pequeno exercício para quem ainda não viu: tentem encontrar, no filme, um grupo de pessoas com mais de 3 elementos)

Theodore (Joaquin Phoenix) é um criativo que trabalha escrevendo cartas de amor endereçadas a estranhos por encomenda dos seus parceiros. Constrói relações através das suas palavras e ao mesmo tempo vive na solidão e melancolia de uma recente separação ainda custosa de atravessar. Aquando da actualização do seu sistema operativo (OS), agora inventada a inteligência artificial para OS’s, fecha-se a janela da solidão. Conhece Samantha (brilhante Scarlett Johansson), o sistema inteligente adaptado à sua personalidade, que procura corresponder e assegurar todas as necessidades emotivas e sociais de Theo. Acabando os dois, por culpa da necessidade e procura humana de afecto, por se apaixonar.

O filme transporta-nos para um universo futuro e podemos chamar ao seu género Sci-fi, mas é importante perceber que aquilo que Jonze faz é diferente daquilo que foi mostrado ao longo de anos deste género cinematográfico. Não temos carros voadores, conquistas do espaço, monstros dos confins do universo ou robots psicopatas, temos sim um ensaio da relação humana e onde nos encontraremos enquanto ser. Ao ver a peça é inevitável pensar em inúmeras outras obras em que os intervenientes, também personagens dotadas de inteligência artificial, procuram um toque e um tratamento mais próximo do que é o amor e as sensações do ser humano. Filmes como Blade Runner (1982) ou AI (2001) tocam na temática das necessidades humanas do amor, carinho e afecto ou simplesmente aceitação enquanto identidades diferentes. Mas o que é feito em Her consegue percorrer um outro caminho, não só porque a nossa OS não assume uma forma física mas porque consegue explicar o quão cada vez mais nos aproximamos de uma civilização despromovida de interacção corporal entre humanos.

Não é difícil pensarmos em como as redes sociais e todas as formas de comunicação moderna já mudaram a forma como nos relacionamos com o mundo e com amigos, por isso, acho que o exercício mais importante deixado por esta obra de Spike Jonze é a reflexão.

Short Term 12 (2013)

Mais uma obra para nos fazer pensar, sentir e perceber os nossos problemas, podendo ser estes tão pequenos e tão insignificantes que, eventualmente, nem existam.

Short Term 12 acompanha o quotidiano de Grace (Brie Larson), uma jovem que trabalha numa instituição de acolhimento de jovens que atravessam sérios problemas familiares e que necessitam de assistência próxima. A relação entre os jovens e os “tutores” por vezes poderá parecer um pouco conflituosa, mas a vivência e a falta de carinho e afecto familiar de cada um leva à construção e aceitação de uma nova família entre os adolescentes. A nossa narradora (Grace) faz de tudo para criar um ambiente seguro e o mais saudável possível para cada um através da sua atitude, não de durona e autoritária, mas sim de "irmã mais velha", com brincadeiras pelo meio e interacção através de palavras pouco formais.

Ao longo do filme vamos percebendo a verdadeira metamorfose por que Grace começa a passar. Depois de uma cadeia de acontecimentos pessoais começamos a ver Grace fragilizar e percebemos o quão importante aquela “família” é para ela. A necessidade que Grace tem de “trabalhar”, de ajudar e por vezes salvar aqueles jovens para se concretizar e se sentir melhor é uma das mensagens mais importantes do filme. Faz-nos acreditar numa sociedade mais próxima e mais carinhosa, faz-nos pensar em todas as pessoas que foram e são “desperdiçadas” e “perdidas” sem que ninguém lhes dê devido valor. E é isso que o filme quer e consegue fazer na perfeição. Dar valor à família, aos amigos e à comunidade onde vivemos.

Destin Cretton afirma-se como uma das maiores promessas do cinema americano. Consegue orquestrar uma peça fenomenal, carregada de sentimento e sem nunca perder ritmo. Numa narrativa, que embora apoiada num argumento excepcional, consegue fazer-se valer naquele grupo de actores, em que cada um dá uma contribuição mais preciosa que o anterior.

É um filme obrigatório, não pela sua qualidade incontestável, mas sim pela sua mensagem. Ver este filme torna-se uma necessidade para o bem comum.

American Hustle (2013)

David O.Russel é um excelente utilizador e aproveitador dos recursos oferecidos pelo grupo de actores. Os seus 2 últimos trabalhos (TheFighter e Silver Linings Playbook) tiveram galardoados em prémios de performance e seria de esperar, avaliando pelo cast escolhido, que este seria mais uma vez o pilar de sustento desta peça. É curioso que neste filme O.Russel tenha pegado em 2 actores principais de cada um desses filmes (Amy e Bale + Cooper e Lawrence) e juntado os 4, numa “tentativa” de ultimate recipe.

American Hustle apresenta-se como um filme de crime que acompanha a vida de 2 grandes burlões e de como gerem as suas relações após serem acompanhados de perto por um agente do FBI. Mas vindo de O.Russel seria de esperar um filme de comédia ou pelo menos com alguns elementos semelhantes. É o que acontece, embora que “ao de leve”, principalmente através de Jennifer Lawrence, a personagem mais desenquadrada e desequilibrada de todo o filme. Vemos uma história sobre confiança, traição e acima de tudo gestão emocional.

A personagem principal é entregue a Christian Bale (Irving Rosenfeld), um burlão que vive a vida entre 2 personalidades pessoais e entregues à sua intimidade, e outras tantas figuras, quantas forem preciso para fazer valer a sua vida e o seu negócio. Numa festa acaba por conhecer, a então débil Sydney Prosser (Amy Adams), e os dois desenvolvem uma relação amorosa e laboral, passando Sydney a desempenhar o papel de Edith, a sua nova sócia de negócios de “sangue azul”. A época mais brilhante dos dois acaba por terminar quando o jovem ambicioso do FBI (Bradley Cooper as Richie DiMaso) desmembra a dupla e faz com que fiquem a trabalhar para si em busca dos grandes corruptos e burlões, numa obsessão tão grande quanto a cobiça do próprio agente.

Achei o argumento do filme e todo o desempenho de Bale bastante satisfatórios, no sentido de que, parece, nunca percebermos ao certo a personalidade e as verdadeiras intenções da personagem. A primeira cena do filme é interpretada por Bale, onde o vemos a arranjar o “cabelo”. Irving tenta esconder a sua careca com um cover-up bastante pomposo e “nada” revelador. O engraçado nesta cena, só perceptível ao longo do filme, é que a única coisa falsa na identidade de Bale, que este não consegue esconder, é o seu tremendo cabelo. Tanto se esforça para que ninguém repare, mas está lá chapado. O seu falso cabelo. De resto, toda a personagem vive numa bolha de incompreensibilidade e é mesmo difícil, pelo menos para mim foi, perceber o que sente, pensa e a forma como planeia agir. Tanto Amy Adams, uma jóia de performance, como Cooper desempenham papéis brilhantes e Jennifer Lawrence (Rosalyn, mulher de Irving) com um papel certamente original e aliviador está bastante satisfatória.

Tanto a realização de O.Russel como a cinematografia e o costume design são espectaculares e o filme está carregado de sequências apoiadas numa boa edição e banda-sonora temática on the spot. Tudo fazendo do filme uma obra bastante apreciável que, embora com um registo leve, desempenha o seu papel fundamental na perfeição, entretém sem que haja momentos mortos.

"Because I say so" - Breaking Bad aos meus olhos

“Uma Historia sobre um professor de química com 50 anos que descobre que tem cancro e, deprimido, resolve começar a fabricar droga.” Esta tem sido a minha resposta à incontestável questão, “isso é sobre o quê?”, quando digo a alguém o quão tem de começar a ver Breaking Bad. Mas na verdade tenho respondido mal, não tenho sido justo para com a série e não tenho conseguido fazer justiça à complexidade narrativa da obra idealizada e criada por Vince Gilligan. Aquilo que deveria ter dito, no mínimo, seria qualquer coisa deste género: “É um caminho de transformação. Uma história sobre a mudança de Walter White e de como cada uma das suas decisões vai alterar o rumo e a personalidade de 5 personagens. É o acompanhar do capítulo mais negro na vida de um ordinary man que vê nascer o seu ego sob a forma de Heisenberg, o Scarface da TV”.

Este artigo nasce na necessidade de expor a bolha interior que cresceu ao longo de 3 anos a seguir este Drama. Foram 62 episódios, num total de 60 horas, a acompanhar semana após semana desde o início da 3ª temporada (as duas primeiras já tinham saído quando comecei) até ao final mais bem conseguido que vi. Gilligan cria um mundo em seu redor e foca-se na transformação de 4 personagens, contada a cada segundo, a cada frame e a cada linha de argumento. Cada cena sustenta a anterior e a cada decisão há uma sequência interminável de acontecimentos. Coisa que só seria possível se a obra idealizada já fosse, desde início, concebida para aquele espaço de tempo, sem mais nem menos um episódio ou cena, sem haver prolongamento de temporadas ou anúncios súbitos de novas ainda para vir. Breaking Bad teve 5 temporadas e ainda bem que assim foi.

Walter White vive uma vida modesta, num bairro modesto, numa casa humilde e no ceio de uma família perfeita. Que se quer com carinho, afecto e amor, tudo nos confortos de um lar de classe média americana. Tem um filho adolescente (W.White Jr.) e uma mulher à espera do seu segundo filho (Skyler e futura Holly). Vive a vida como professor de química no ensino secundário, apesar de sentir o seu talento “mal” aproveitado. É-lhe diagnosticado um cancro, aquando o seu 50º aniversário, e a vida parece-lhe desmoronar à sua frente com a sensação que não deixou suficiente marca, nem independência financeira para sustentar a família no futuro. Através de Hank (marido de Marie, a sua cunhada), agente de investigação contra o narcotráfico, Walt (vulgarmente chamado por Skyler) volta a dar de caras com um ex. aluno, problemático por sinal, chamado Jesse Pinkman. Walter encontra-o numa rusga policial num local de fabricação de Meth (crystal meth) e, já a atravessar um período de depressão existencial, volta a tentar contactá-lo para se unir numa parceria. Propõe “cozinhar” o crystal, se este concordar em distribuí-lo, fazendo-se valer dos seus “bons” contactos e conhecimentos no mercado. Começa assim, em suma, uma viagem pela metamorfose de um homem simples e humilde pela fundação e desenvolvimento da sua personalidade até se tornar um vilão digno de um verdadeiro filme de culto. No fim de contas é o próprio título do Drama, Breaking Bad.

Em Breaking Bad não será o tema ou a história o que fará desta obra uma das melhores de sempre na história do entretenimento. Acredito numa receita composta por 6 elementos essenciais:

#1 – O cast. Composto por actores principais e secundários absolutamente fabulosos, Brian Cranston, Aaron Paul, Dean Norris, Anna Gunn, Rob Odenkrik, Giancarlo Esposito, Jonathan Banks… entre outros. Citando Vince Gilligan na escolha de Bryan Cranston para o papel: "You're going to see that underlying humanity, even when he's making the most devious, terrible decisions, and you need someone who has that humanity – deep down, bedrock humanity – so you say, watching this show, 'All right, I'll go for this ride. I don't like what he's doing, but I understand, and I'll go with it for as far as it goes.' If you don't have a guy who gives you that, despite the greatest acting chops in the world, the show is not going to succeed."

#2 – O argumento. Como Gilligan consegue criar uma mudança tão grande não apenas numa, mas em inúmeras personagens ao longo de toda a história. Não se admirem se por enquanto gostarem de Walter e com o decorrer das temporadas esse “amor” se venha a deteriorar. O mesmo aplica-se, por exemplo, embora que de forma inversa à personagem de Aaron Paul (Jesse). As relações entre as personagens seguram, com firmeza, embora que dentro da sua disfuncionalidade, o realístico ambiente vivido por cada uma delas e acabam por justificar todo o seguimento tomado na cronologia de acontecimentos;

#3 – Aspectos técnicos. A escolha de Albuquerque, New Mexico, para a rodagem da série acabou por ser uma das maiores sortes para o seu rumo, em termos de cinematic experience chegando mesmo a ser denominado de “post-modern Western”. A equipa de realização, fotografia, edição usam da melhor forma possível a paisagem desértica da zona, através de inúmeras cenas de time lapse e takes panorâmicos de paisagem. Outra das técnicas vastamente usadas pela equipa são os Point-of-view shots, usados em quase todos os episódios e em cenas e sequências de importância maior. Mais uma vez palavras da crew, desta feita o director de fotografia Michael Slovis: “This isn’t just about looking like reality; this is about eliciting an emotion”. Estes elementos colocam a série num lugar onde ainda nenhum outro TV-show esteve, o mais perto de uma produção de cinema possível. Ao ver Breaking Bad, aquilo que sentia era que estava a ver puro cinema, mas em formato para TV.

#4 – O culto. Os últimos 2 anos da vida de Walter White sujeitam-se a ser carregados por fans até à eternidade. Vários elementos foram inspirados em inúmeros filmes de culto e obras de grandiosidade intemporal. Também Breaking Bad terá esse “fim”. Podemos ver referências, ou simplesmente semelhanças a filmes como Scarface, Pulp Fiction, The Godfather, Sunset Blvd. e Reservoir Dogs quer seja em aspectos técnicos, o caminho para o qual o argumento se vai destinando, nomes de personagens e até expressões e one linners. Nunca fiz as contas, mas era capaz de afirmar que se ouve o “bitch” de Jesse mais vezes que o “fuck” de TonyMontana. Não me recordo de ver nos últimos anos uma série ou filme capaz de gerar tantas vendas de canecas, T-Shirts, posters e apelar ao desenvolvimento criativo de toda a legião de fans espalhada pelo mundo. Só mostra a dimensão e impacto que a série teve numa comunidade cada vez mais alargada de “consumidores”.

Breaking Bad comparando com Sunset Blvd.

Breaking Bad comparando com Pulp Fiction

homenagem a Scarface, fan made

homenagem a The Godfather, fan made

#5 – O seu final. NO SPOILERS-NO STRESS! Um dos finais mais épicos de sempre, pelo que tenho lido, ao contrário de muitas outras séries, aquele que conseguiu fazer justiça a toda uma pirâmide de emoções, decisões e acontecimentos levados a cabo ao longo da a série. Para mim, o seu final é no antepenúltimo episódio, aquele que me deu a melhor hora passada a ver uma série, o mais conclusivo e aquele que que se sente que já não haverá volta a dar.

#6 – Crescendo. Nenhuma outra série se apresentou para mim com um escalar de emoções tão acentuado. É muito comum, isto para quem está habituado a ver séries, aquela afirmação, “para mim a 1ª temporada foi a melhor” ou “gostei mais da anterior”. Meus amigos, em Breaking Bad não acontece. Esperem para ver uma 1ª temporada pior que a 2ª. Uma 2ª pior que a 3ª. E nesse crescendo continuará até culminar no final da última temporada com cada episódio a ser mais satisfatório que o anterior.

A receita de Gilligan irá perdurar, tal como séries como The Sopranos, que não considero tão inovadora como esta. Breaking Bad foi uma viagem a uma nova dimensão no entretenimento que elevou a fasquia no mundo da TV. E após 5 temporadas o reconhecimento da crítica chegou, finalmente. A série entrou no livro do Guiness como a mais bem cotada de sempre no site Metacritic, ao arrancar um impressionante resultado de 99/100 para a sua última temporada. Venceu o Emmy e Globo de ouro para melhor série Drama e tem as suas últimas 4 temporadas aprovadas por 100% dos críticos no site RottenTomatoes. Um reconhecimento digno, daquela que para mim é a melhor série de TV. A mais inovadora, mais visionária e mais bem conseguida de sempre. Mas questiono-me, porque é que será que só ao fim de 5 temporadas, reconhecimento da crítica e vitórias em prémios de renome, a série começa a ser transmitida em Portugal, embora que ainda timidamente?

Sempre tive inveja dos meus pais e parentes que eram vivos enquanto saiam álbuns novos de Pink Floyd, Queen ou Beatles. A sorte que tiveram por ver tudo isso acontecer à frente dos seus olhos (ouvidos neste caso). E é por isso que me sinto um felizardo por ter acompanhado esta masterpiece enquanto esteve a ser criada, por isso e pela espera agoniante que senti a cada semana.

Foram 62 episódios e 60 horas. As poucas horas da minha vida que posso dizer com toda a certeza que não perdi. Provavelmente até as duplicarei para 120…

"If that’s true, if you don’t know who I am, then maybe your best course… would be to tread lightly"