Temas #3 - Jo Yeong-wook - Dae-su's theme

Boyhood (2014)

Para quem ainda não tinha visto qualquer filme de Linklater até há dois meses atrás, como foi o meu caso, esta descoberta do autor pode ser fascinante. O realizador americano é alma, coração, nata absoluta na representação de vida, fases da vida e momentos fulcrais no desenvolvimento humano. Mas tudo com contraste na simplicidade e importância de cada etapa.

Esta ambição de Linklater é uma vez mais comprovada através de Boyhood. Neste seu novo projecto no qual acompanha o crescimento e desenvolvimento de Mason desde os 6 anos de idade até aos 18, Linklater e tenta recriar os sentimentos, pensamentos, vivências, experiências e relações que fazem parte desta longa e tenebrosa transição até à vida adulta.

Boyhood conta a história da vida de Mason mas encontra-se e procura identificar-se com o maior número de pessoas possível. É um filme que toca a todos e que não pode deixar ninguém indiferente. Provavelmente tudo isto é culpa da sua simplicidade, principalmente na forma como retrata os episódios da vida. Com ritmos bastante distintos ao longo do filme que lutam por ilustrar a instabilidade de humores na vida, que não é nem deve ser um mar de rosas.

Quanto mais penso no filme mais me apercebo da sua grandeza. Durante quase metade do filme tive dificuldade em perceber se era mesmo a história de vida de Mason ou se estávamos só a observar uma família. Mas até aqui Linklater foi genial. O início da nossa vida é rodeado por pessoas, sejam elas irmãos, pais, primos ou amigos. Essa dependência de outros vai desaparecendo e vamos procurando o nosso espaço, o nosso lugar e as pessoas com as quais mais nos identificamos. Tudo isto é brilhantemente, embora de forma subtil, evidenciado em Boyhood. À medida que Mason vai crescendo vamos vendo-o mais e mais independente, mais sozinho e determinado nos seus pensamentos. A pouco e pouco vai conquistando o seu lugar enquanto verdadeiro protagonista do filme. Tal qual como na vida de todos nós em que esse protagonismo pode/deve ser conquistado.

Boyhood foi, para mim, um verdadeiro espelho. E foi por isso mesmo que o achei genial. À obra e ao autor, que através do retrato mais simplista conseguiu encontrar e resolver a complexidade de ilustrar o crescimento e transição de uma criança para um jovem adulto de forma brilhante.

Mason: “I wish I could use the bumpers...”

Dad: “You don't want the bumpers, life doesn't give you bumpers.”

Interstellar (2014)

Posso afirmar desde já que Interstellar é, para mim, o melhor filme de Nolan até hoje. É uma obra ambiciosa, talvez a mais da sua carreira, tem os seus momentos de acção, tensão e ansiedade mas sobretudo, e aqui é o ponto de viragem em que Nolan me surpreendeu mais, é brutalmente emotivo. Até agora ainda não tinha visto um único filme de Nolan com tamanha capacidade de criar uma verdadeira relação emotiva com a audiência. A única situação até agora tinha sido em The DarkKnight Rises na discussão entre Bruce e Alfred. Mas nada desta dimensão. Nada que eu sentisse verdadeiramente que toda a sala de cinema tenha alcançado a real razão de ser do “herói”. Porque isto, o amor, deve ser das coisas mais exigentes de exprimir em cinema. Principalmente o familiar e associado à saudade, à distância e até à sua própria ausência. Esta foi a nova dimensão que Nolan adicionou à sua equação.

Interstellar é irrepreensível em termos técnicos. Banda sonora, edições, planos, sequências e cinematografia. Se o é também em linhas de argumento? Uns dirão que sim e outros que não. Eu fico-me pela objectividade de dizer que serve o seu propósito e que mais ou menos certeza teórica não é para aqui chamada porque no mundo do sci-fi as regras do jogo são as do maestro que compõe a estória.

Pode-se fazer a comparação que se quiser com os clássicos que já se sabe que são as matrizes deste tipo de ficção. Mas se esta é uma obra que vai ficar na história apenas o tempo o dirá. Quanto a mim, é para rever.

"We've always defined ourselves by the ability to overcome the impossible. And we count these moments. These moments when we dare to aim higher, to break barriers, to reach for the stars, to make the unknown known. We count these moments as our proudest achievements. But we lost all that. Or perhaps we've just forgotten that we are still pioneers. And we've barely begun. And that our greatest accomplishments cannot be behind us, because our destiny lies above us."

Cinema em Cenas #8 - Final duel (SPOILERS) - Per qualche dollaro in più (1965)

5 Broken Cameras (2011)

Narrado e testemunhado em 1º pessoa, desde o início da ocupação israelita a uma aldeia palestiniana. O crescer da tenção, revolta e frustração por parte dos camponeses enquanto testemunham a ocupação das suas terras pelo exército israelita para a construção de aldeamentos (israelitas). Uma luta de força desproporcionais ao ponto do sadismo, de um lado, contra toda a originalidade possível de desempenhar por parte das populações.

Emad observa através do seu ímpar olhar o desenvolver de um conflito, a semente de um ódio que hoje é inevitável. Documenta os acontecimentos desde o 1º dia em que as tropas israelitas chegam à sua terra, bem como, em paralelo, o crescimento do 3º filho desde o dia do seu nascimento. É uma forma “perfeita” de ilustrar o conflito. Consegue demonstrar as repercussões que toda aquela guerra tem sob os habitantes da zona, mas também ajuda a compreender onde nasce o ódio, a vingança e a frustração. Usa o olhar de uma criança e consegue explicar a direcção para a qual aquele conflito se encaminha.

Ao longo do documentário Emad faz uso das suas câmaras até o momento em que cada uma delas é despedaçada pelas tropas israelitas. O final de uso de cada uma marca um capítulo fechado na história daquela população. Seja esse capítulo fechado por uma nova carga militar ou simplesmente um tiro de sniper, geralmente o início de um novo marca um crescente de desmesurado uso da força militar. No fim de contas o problema com que se deparam é nada mais que uma ocupação territorial e uso e abuso de força contra civis desarmados. Quer dizer, armados… com pedras.

Se este não é o género ideal de documentário então não sei qual será. O olhar de um vídeo amador, de quem vive e luta contra um problema. Se querem tentar perceber o que pode levar um homem ou mulher cometer suicídio ou juntar-se a uma causa armada, se querem tentar compreender qual o nível de desespero que uma pessoa pode suportar… podem começar por aqui.

“Healing is a challenge in life. It's a victim sole obligation. By healing, you resist oppression. But when I'm hurt over and over again, I forget the wounds that rule my life. Forgotten wounds can't be healed. So I film to heal. I know they may knock at my door at any moment. But I'll just keep filming. It helps me confront life. And survive.” – Emad Burnat

Cinema em Cenas #7 - Mozart's originals - Amadeus (1984)

Uma das minhas cenas preferidas de um dos meus filmes preferidos. Penso que seja uma boa entrada para quem nunca viu o filme. Sem grandes SPOILERS, mas que carrega grande parte daquela que é a mensagem do filme. Uma pequena demonstração de genialidade, inveja e admiração.

Barry Lyndon (1975)

Não há dúvida que este será um dos melhores trabalhos de Kubrick e provavelmente um dos seus mais desvalorizados. Talvez pelo ritmo lento e de pouco entretenimento não será o tipo de filme que agrada ao espectador comum, mas, sem dúvida, vale a pena um pequeno esforço para aqueles que procuram uma verdadeira jóia do cinema.

Barry Lyndon é uma pequena odisseia de um jovem confuso e sem muitos princípios na europa do séc. XVIII. O acompanhar na vida de uma máscara fugida e escondida na dispersa sociedade aristocrática. Com passagens pelo exército, trapaças e tentativas de arrecadar títulos, esta obra acompanha o jovem irlandês desde o início da sua adolescência até o ponto mais alto a que a sua determinação e ambição o levaram. Tenta mostrar os interesses e a maldade do jogo de poderes na sociedade e pode ser transposto para a realidade dos nossos dias que vivemos numa sociedade cada vez mais provida interesses particulares em detrimento do bem comum.

Para mim, o mais interessante desta obra é sem dúvida toda a realização e envolvente que Kubrick consegue criar. Das duas vezes que tive o prazer de olhar para o ecrã e ver esta magnífica peça, fiquei obcecadamente preso naquelas cenas. Kubrick consegue o que qualquer realizador de filmes de época tenta... transportar o espectador para aquele mundo. É óbvio que não posso sequer imaginar como era a vida naquela época, mas o que se vê nesta obra é uma realidade que parece existir numa altura em que nem sequer havia câmaras. Ou seja, com os passeios de coche, as caminhadas à beira dos lagos, as festas e cerimónias, duelos, batalhas e cenas atrás de cenas filmadas somente à luz de velas sem recurso a luz artificial Kubrick transporta-nos, como poucos conseguem, para ali, para aquele momento.

Em última instância é um filme envolvente e, para mim, uma perfeita obra-prima, um quadro assinado por Stanley Kubrick.

“I’m not sure if I can say that I have a favourite Kubrick picture, but somehow I keep coming back to Barry Lyndon. I think that’s because it’s such a profoundly emotional experience.” Martin Scorcese

The Cove (2009)

Sem dúvida alguma, este é o documentário mais emotivo que já vi. É revoltante, assustador e acima de tudo coloca-nos na posição de sermos obrigados a tomar consciência acerca dos nossos actos de consumo irracionais e desprovidos de qualquer pudor.

The Cove é um documentário centrado na chacina de dezenas de milhares de golfinhos, organizada anualmente em Taiji – Japão. Procura divulgar ao mundo as primeiras imagens daquele evento vergonhoso, bem como sensibilizar o espectador para o tipo de animais de que estamos a falar. É uma obra orquestrada por Ric O’Barry, o homem que ajudou a construir toda a indústria de delfinários espalhados pelo mundo e que desde a morte de um dos seus golfinhos se tornou no maior activista mundial em defesa desta particular espécie de cetáceos. O’Barry trabalha em prol da libertação de golfinhos detidos em cativeiro e mostra esta matança como uma consequência directa da procura incessante por novos espécimenes.

O documentário é construído como se de um filme de assalto a um banco se tratasse. Toda a preparação e planeamento, bem como a tecnologia de ponta que é usada para conseguir as imagens até então inacessíveis para qualquer ser humano. Sempre acompanhado por diversos relatos e ilustrações que ajudam a fomentar no espectador toda a uma luta interior por aceitação de um facto quase intocável socialmente, como é o caso do sofrimento dos animais selvagens detidos em cativeiro. Quantos de nós já visitaram parques temáticos e zoos? Quantos de nós já assistiram a shows de animais marinhos sem pensar no tipo de sofrimento a que aqueles animais estão expostos?

É aí que surge a importância deste filme. Podia simplesmente centrar-se na matança. Mas o que faz é pegar naquilo com que o espectador está familiarizado e sensibilizá-lo para todo o problema da procura de golfinhos.

É sem dúvida dos melhores documentários que já vi. E com toda a certeza o mais corajoso de todos. É importante que todos vejam esta peça, porque este não é um problema que se passa a não sei quantos mil km numa baía qualquer. É um problema que nasce e está enraizado na sociedade quando esta aceita que um animal capturado a não sei quantos mil km numa baía qualquer seja ferramenta de entretenimento.

"The dolphin smile is nature's greatest deception," Ric says. "It creates the illusion that they're always happy. I think this multi-billion dollar captivity industry is built on that optical illusion."

Cinema em cenas #5 – canzonetta sull’aria – The Shawshank Redemption (1994)

Uma das minhas cenas preferidas. Faz-nos pensar, sonhar e sentir livres. Pouco se pode dizer acerca deste cena, apenas ouvir, ver e sentir… 

“It was like some beautiful bird flapped into our drab little cage and made these walls dissolve away, and for the briefest of moments, every last man in Shawshank felt free”

The Grand Budapest Hotel (2013)

Foi maior a surpresa de entrar numa pequena sala de cinema em dia de estreia, pelo menos para mim, do que propriamente ver o que aí viria. É estranho entrar numa sala de uma grande superfície comercial para ver mais um filme de Wes Anderson e notar que se 250 pessoas quisessem ver este filme, teriam de se dividir em 2 sessões.

A verdade é que até acabou por transformar, no bom sentido, a própria experiência de visualização do filme. Grand Budapest Hotel é uma obra passada, como o título indica, num majestoso hotel situado numa república alpina imaginária. Mas essa grandeza não põe em causa o aspecto acolhedor e simpático que o gerente do Hotel tenta manter. Nesse aspecto, o facto de a sala ser de uma dimensão menor e o próprio público não se dar a sms nem escavações de baldes de pipoca, acabou por ajudar bastante a fazer-me sentir parte integrante daquele hotel, daqueles corredores e daquele icónico elevador.

Wes Anderson mostra mais um dos seus trabalhos. Desta vez conta-nos a estória de um Lobby Boy e da sua relação duradoura com o inigualável concierge do majestoso Grand Budapest Hotel. Uma ligação construída, desde o 1º dia, sob o olhar do espectador, com as lições, clichés e aventuras de um bom romance, narrado por Zero Moustafa, o recém-chegado Lobby Boy e actual proprietário do Grand Budapest.

Para quem nunca viu um filme de Wes Anderson, deve compreender que este realizador em particular tem um estilo narrativo bastante distinto do comum filme de domingo à tarde na tv. Neste caso, esse estilo saiu aprimorado. Vemos uma obra bastante apelativa ao olhar, como não podia deixar de ser em Wes, parece que estamos perante um autêntico Eye Candy. Cenários absolutamente extraordinários, planos e sequências perfeitamente orquestradas e imaginadas, screenplay de qualidade incontestável e claro, o cast, como sempre, a cereja no topo do bolo. Participam na obra nomes como Ralph Fiennes, AdrienBrody, Willem Dafoe, Bill Murray, Jude Law, Tilda Swinton, Saoirse Ronan, Edward Norton, F.Murray Abraham e o estreante Tony Revolori.

É um dos melhores trabalhos de Anderson, um dos mais cómicos e um dos mais carismáticos. Talvez pela perfeita harmonia entre personagens, desenvolvimento narrativo e construção dos cenários. Estava à espera de ver um filme de Wes Anderson e, sem surpresas, foi o que aconteceu.

“Keep your ands off my lobby boy!” Ralph Fiennes as Gustave H. the concierge

Senna (2010)

Um olhar para a carreira e vida de Ayrton Senna, desde os primeiros passos enquanto piloto de Kart, até às suas vitórias nos principais circuitos da F1. Uma carreira curta em termos de longevidade mas enorme em termos de ambição, conquistas e história.

Asif Kapadia (realizador) consegue engendrar um documentário quase perfeito. Conta, não só a história do mítico piloto Brasileiro, como consegue demonstrar a sua personalidade dentro e fora dos circuitos. Um homem competitivo e ambicioso, até ao maior significado das palavras, mas que sempre manteve a sua humildade, humanidade e inigualável carisma. O homem que deu vida ao circuito e que a competir era ágil, sagaz e inteligente.

Senna foi campeão mundial de F1 em 1988, 1990 e 1991, vice-campeão em 1989 e 1993. Desde o 1º dia em que competiu no circuito mundial em 1984 conseguiu 41 vitórias, 39 pódios (2º e 3º) e 65 pole positions. Foi o protagonista de uma das maiores e mais rápidas ascensões na história de F1, assim como do maior e mais trágico final de carreira da história.

Todo o seu legado ficará guardado e todas as polémicas em que esteve envolvido asseguram, idolatram e imortalizam Ayrton Senna como um dos maiores pilotos de F1 de todos os tempos. Para mim o maior e mais carismático de sempre.

“Wealthy men can't live in an island that is encircled by poverty. We all breathe the same air. We must give a chance to everyone, at least a basic chance” Ayrton Senna

“O medo faz parte da vida da gente. Algumas pessoas não sabem como enfrentá-lo. Outras, acho que estou entre elas, aprendem a conviver com ele e o encaram não de forma negativa, mas como um sentimento de auto preservação” Ayrton Senna

Cinema em Cenas #4 - Opening Scene - Raging Bull (1980)

A valsa de Jake La Motta. Sozinho, antes da batalha por si aguardada. Bem no inicio do filme, como se o que aí vem fosse o disfrutar de um verdadeiro combate de boxe.

Para mim esta é uma das melhores cenas de sempre, aquela que mais me prendeu sem fazer ideia da história que aí viria. Antecipa, subliminarmente, a natureza desta personagem arrebatadora e a incontestável performance de De Niro sob a direcção de, mais uma vez, Scorcese. É quase obrigatório rever esta cena assim que o filme acaba, como se fosse a verdadeira cereja que vem justificar a construção de todo o bolo.

Mononoke-Hime (1997)

 

A magia intrínseca nas obras de Miyazaki é incontestável. Acontece não só pela fantasia narrativa de cada peça e cada frame, como pela intencional aproximação a temas não tocados em outras obras de animação. Mais uma vez isso acaba por acontecer em Mononoke-Hime (Princess Mononoke) onde Miyazaki demonstra, na sua maneira sublime, o impacto nefasto da exploração humana dos recursos naturais numa era que se aproxima do início da revolução industrial japonesa.

Ashitaka procura a cura de uma doença/vírus/praga mortal que assola a sua região e acaba, enquanto viaja, por se deparar com uma guerra aberta entre os deuses da floresta e a cidade de Tatara. Liderada por Lady Eboshi, Tatara é uma colónia mineira com um imenso poder conseguido através do seu armamento de fogo, nitidamente sofisticado para a altura. Tão complexo quanto a ambição que Eboshi tem em vir a governar o mundo sem olhar a meios para alcançar os fins. Mesmo que isso passe por aniquilar toda a floresta e os seus deuses animais, gigantes dotados de capacidades ultranaturais.

É notória a mensagem complexa (ou não) inerente a esta obra intemporal do Mestre japonês. A crítica ao voraz consumo do planeta e o nosso impacto nos recursos imateriais e limitados que consumimos desmesuradamente. É uma verdadeira obra-de-arte da animação que parece mais direccionada para adultos do que para crianças, mas que se for bem pensada até que nem é má ideia começar por introduzir este tema desde tenras idades.

Narrator: “In ancient times, the land lay covered in forests, where, from ages long past, dwelt the spirits of the gods. Back then, man and beast lived in harmony, but as time went by, most of the great forests were destroyed. Those that remained were guarded by gigantic beasts who owed their allegiances to the Great Forest Spirit. For those were the days of gods and of demons...”

Bica #4 - Ark

Apesar de andar com falta de tempo entre mãos para poder actualizar devidamente este meu espaço, arranjei um pouquinho para partilhar mais uma Bica. Afinal, se nem houver tempo para uma curta, que sentido isto faz?

Desta vez apresento-vos Ark. Uma curta, mas difícil e atribulada passagem pela vida. Quando um vírus ataca a humanidade a única salvação é o Oceano e a fuga em navios descomunais.

Realização: Grzegorz Jonkajtys

Short Term 12 (2013)

Mais uma obra para nos fazer pensar, sentir e perceber os nossos problemas, podendo ser estes tão pequenos e tão insignificantes que, eventualmente, nem existam.

Short Term 12 acompanha o quotidiano de Grace (Brie Larson), uma jovem que trabalha numa instituição de acolhimento de jovens que atravessam sérios problemas familiares e que necessitam de assistência próxima. A relação entre os jovens e os “tutores” por vezes poderá parecer um pouco conflituosa, mas a vivência e a falta de carinho e afecto familiar de cada um leva à construção e aceitação de uma nova família entre os adolescentes. A nossa narradora (Grace) faz de tudo para criar um ambiente seguro e o mais saudável possível para cada um através da sua atitude, não de durona e autoritária, mas sim de "irmã mais velha", com brincadeiras pelo meio e interacção através de palavras pouco formais.

Ao longo do filme vamos percebendo a verdadeira metamorfose por que Grace começa a passar. Depois de uma cadeia de acontecimentos pessoais começamos a ver Grace fragilizar e percebemos o quão importante aquela “família” é para ela. A necessidade que Grace tem de “trabalhar”, de ajudar e por vezes salvar aqueles jovens para se concretizar e se sentir melhor é uma das mensagens mais importantes do filme. Faz-nos acreditar numa sociedade mais próxima e mais carinhosa, faz-nos pensar em todas as pessoas que foram e são “desperdiçadas” e “perdidas” sem que ninguém lhes dê devido valor. E é isso que o filme quer e consegue fazer na perfeição. Dar valor à família, aos amigos e à comunidade onde vivemos.

Destin Cretton afirma-se como uma das maiores promessas do cinema americano. Consegue orquestrar uma peça fenomenal, carregada de sentimento e sem nunca perder ritmo. Numa narrativa, que embora apoiada num argumento excepcional, consegue fazer-se valer naquele grupo de actores, em que cada um dá uma contribuição mais preciosa que o anterior.

É um filme obrigatório, não pela sua qualidade incontestável, mas sim pela sua mensagem. Ver este filme torna-se uma necessidade para o bem comum.

12 Years a Slave (2013)

Mais um filme sobre segregação racial nos EUA e mais uma história verídica que acaba bem. Mas será só isso? Será mais um filme familiar para ver sentado num sofá domingo à tarde? Vamos ver…

12 Years a Slave conta-nos a história de Solomon Northup, um Afro-Americano livre que depois de burlado vê a sua liberdade existir apenas na possibilidade de respirar. É levado para o mercado dos escravos e acaba nas plantações do sul dos EUA para trabalhar até ao dia em que eventualmente morrerá. Sabendo nós que a história é verídica e que o senhor acabou por publicar um livro, podemos concluir de início que no final do filme ele reencontra a sua família.

A verdade é que Steve McQueen não pega neste filme para contar uma história. Aquilo que faz é tentar pegar no espectador e colocá-lo o mais perto possível do lugar do Solomon (agora chamado Platt). Sem sentir-mos dor física, isso só será possível através de dor emocional e psicológica. Tudo isso através de cenas de uma intensidade violenta brutal, acompanhadas por uma banda-sonora desconfortante, que fazem qualquer pessoa querer virar o olhar e desejar que tudo aquilo acabe. É um filme difícil de engolir, digamos assim, é difícil acreditar que tal acontecesse há menos de 2 séculos atrás. Mas só é assim porque o trabalho de Steve McQueen atrás das câmaras é inegavelmente brilhante e consegue transportar-nos para aquela dimensão de sofrimento. Cheguei a querer desviar o olhar pela violência a que estava a assistir, mas acabei por ficar, hipnotizado, a apreciar o trabalho do realizador. O uso de takes prolongados traduzem uma coordenação brilhante e só seria possível com o uso destes actores.

O cast utilizado neste filme é electrizante. A cada capítulo que passa vemos actor atrás de actor, a aparecer e a terminar a sua personagem com uma contribuição cada vez mais preciosa para a construção desta obra. Paul Giamatti, Paul Dano, Benedict Cumberbatch, Michael Fassbender, Brad Pitt e claro o protagonista interpretado por Chiwetel Ejiofort. Este último, com aquela que será sem dúvida a performance do ano (2013) e com a qual, provavelmente, arrecadará a estatueta mais desejada da temporada. Porquê? Basta ver a sua expressão facial constante, de uma tensão tal que nem o permite mover-se dentro da sua livre personalidade. É de reparar numas das principais cenas de todo o filme, quando um dos escravos é enterrado, o “funeral” dá-se entre os trabalhadores com uma cerimónia humilde ao som do Gospel. Solomon ouve calado, mas à medida que a música cresce ele sente a necessidade de transportar toda a dor que carrega e acaba por se entregar aos cânticos, numa cena memorável em que é perfeitamente visível a dor, agonia e desespero de Platt.

É um filme pesado onde a pipoca do cinema não têm lugar. É intenso, desconfortante, revoltante, triste e não pode ser comparado a qualquer outro filme do género. Para mim, uma verdadeira obra-prima do cinema. Mas cuidado… não é fácil de engolir!

★★★★★