IKEA's Homage to The Shining

Cinema em Cenas #9 - Regole del Gioco - La Vita è Bella (1997)

Cult Movie Ottoman themed art

Autor: Murat Palta

Cinema em Cenas #8 - Final duel (SPOILERS) - Per qualche dollaro in più (1965)

Temas #1 - John Williams - Star Wars Main Theme (1977)

Aquela pequena composição que ao primeiro segundo de audição é invariavelmente arrastada para um lugar na nossa memória, geralmente associada a um filme que desde logo queremos rever. Temas que definem obras e sem os quais é impossível conceber a sua existência. Uma ligação entre dois mundos, duas artes, duas composições. 

Era inconcebível começar esta “rubrica” por outro tema que não fosse aquele que é talvez o maior hino sonoro da 7ª arte. Não digo que seja o melhor, mas é sem dúvida o mais reconhecido! Assim, por este exemplo é fácil de explicar. Duas notas e uma corrente viva de memórias percorre rapidamente os neurónios.

Bica #6 - Cinematics

Não posso dizer que seja uma curta. Talvez apenas um pequeno exercício de animação. Mas que, certamente, tem lugar aqui nesta minha rubrica. 

Uma curta passagem por alguns dos clássicos e filmes de culto que fizeram parte da história do cinema. Os créditos vão para Pier Paolo (ilustrador) e Marcelo Baldin (Tema).

Cinematics from Pier Paolo on Vimeo.

Barry Lyndon (1975)

Não há dúvida que este será um dos melhores trabalhos de Kubrick e provavelmente um dos seus mais desvalorizados. Talvez pelo ritmo lento e de pouco entretenimento não será o tipo de filme que agrada ao espectador comum, mas, sem dúvida, vale a pena um pequeno esforço para aqueles que procuram uma verdadeira jóia do cinema.

Barry Lyndon é uma pequena odisseia de um jovem confuso e sem muitos princípios na europa do séc. XVIII. O acompanhar na vida de uma máscara fugida e escondida na dispersa sociedade aristocrática. Com passagens pelo exército, trapaças e tentativas de arrecadar títulos, esta obra acompanha o jovem irlandês desde o início da sua adolescência até o ponto mais alto a que a sua determinação e ambição o levaram. Tenta mostrar os interesses e a maldade do jogo de poderes na sociedade e pode ser transposto para a realidade dos nossos dias que vivemos numa sociedade cada vez mais provida interesses particulares em detrimento do bem comum.

Para mim, o mais interessante desta obra é sem dúvida toda a realização e envolvente que Kubrick consegue criar. Das duas vezes que tive o prazer de olhar para o ecrã e ver esta magnífica peça, fiquei obcecadamente preso naquelas cenas. Kubrick consegue o que qualquer realizador de filmes de época tenta... transportar o espectador para aquele mundo. É óbvio que não posso sequer imaginar como era a vida naquela época, mas o que se vê nesta obra é uma realidade que parece existir numa altura em que nem sequer havia câmaras. Ou seja, com os passeios de coche, as caminhadas à beira dos lagos, as festas e cerimónias, duelos, batalhas e cenas atrás de cenas filmadas somente à luz de velas sem recurso a luz artificial Kubrick transporta-nos, como poucos conseguem, para ali, para aquele momento.

Em última instância é um filme envolvente e, para mim, uma perfeita obra-prima, um quadro assinado por Stanley Kubrick.

“I’m not sure if I can say that I have a favourite Kubrick picture, but somehow I keep coming back to Barry Lyndon. I think that’s because it’s such a profoundly emotional experience.” Martin Scorcese

Cinema em Cenas #6 - Opening scene - Halloween (1978)

Uma cena absolutamente inquietante que por si só poderia ser uma curta de suspense. Um POV contínuo até aos últimos segundos e a terminar em cliffhanger. Genial!

No obligation at all - Disney aos meus olhos

“We have no obligation to make history. We have no obligation to make art. We have no obligation to make a statement. To make money is our only objective.” – Michael Eisner, Disney CEO (1984-2005)

Não sou fã da Disney, não gosto da imagem que a empresa transmite, não gosto do monopólio do entretenimento que o grupo quer seguir e não me identifico com os valores entregues nas suas principais obras de animação. No entanto, cresci e vi crescer esta marca ao longo dos anos. Vi cada filme Walt Disney Studios que saía nos cinemas e, como a maioria das crianças portuguesas, “aprendi” com eles e fui moldando a minha personalidade aos role models que encontrava a dada altura. Ao longo do tempo e com pilar na reflexão critica que não se tem tão viva enquanto criança, fui tomando nota daquilo que via noutros filmes e na diferença que essas obras tinham em relação àquelas que via enquanto miúdo. Apercebi-me da existência de determinados aspectos menos felizes nas obras da maior fábrica de sonhos do mundo e é sobre isso que vou falar aqui neste meu canto.

Desde que comecei a ver cinema de animação de outras produtoras fui-me apercebendo que os filmes que nos são incutidos toda a infância têm uma cultura de valores errada. No sentido de não desenvolverem nem aproximarem as crianças dos valores morais, éticos e sociais que deviam enquanto obras de entretenimento infantil. Este artigo não é uma teoria da conspiração. Trata-se de retirar de um conjunto de personagens o seu valor simbólico e interpretá-lo, nada mais.

Role Models para as meninas:

Na base das estórias encantadas que a Disney interpreta nos seus filmes, está a figura Princesa. Talvez a personagem mais icónica da marca logo a seguir ao famoso Rato e, talvez, a que transmite os piores valores para as crianças. Porquê? A Princesa Disney é “perfeita”, caracterizada por traços que tentam ser exemplos da beleza feminina. É ingénua, bonita, tem o corpo perfeito e rosto simétrico, olhos grandes, sensual, educada, apaixonada, prendada e, mais importante, precisa desesperadamente de um homem para a salvar. Não são personagens inteligentes, estão constantemente em perigo e tomam decisões erradas.

É a cultura de beleza que nestes filmes está directamente ligada com o sucesso, no sentido de nenhuma delas terminar a história feliz porque em algum momento foi inteligente (muito pelo contrario), mas sim porque é bonita e teve a sorte de um príncipe aparecer para a salvar. Outro aspecto engraçado prende-se com a resposta à felicidade. Todos os filmes, de princesas, acabam com casamento como apogeu de conquista pessoal, desde os filmes da década de 30 até aos de 2013. Cinderella casa-se porque tem sorte e é bonita, Belle casa-se porque consegue suportar um “homem” que a maltrata, Ariel casa-se porque abdica do seu corpo e família para conhecer o príncipe, Snow White casa-se porque tem sorte, é bonita e prendada… and so on.

É claro que a Disney aparenta esforçar-se para alterar esta cíclica roda da felicidade, como por exemplo em Mulan, em que a “princesa” consegue o seu príncipe pela força e coragem que demonstra. Mas o resultado final cai sempre para o sucesso de ter um homem. Sempre para o sucesso de ficar com o mais bonito porque, também, a princesa é a mais bonita. Esta temática da beleza será analisada mais à frente. Por agora é importante perceber que, aos olhos da Disney, a mulher solteira até avançada idade é constantemente vista como vilã da estória e a mais bonita termina, inevitavelmente, aos braços de um príncipe.

Em The Little Mermaid, Ariel: “But without my voice… how can I…”

Ursula: “You’ll have you’re looks, you’re pretty face, and don’t under estimate the importance of body language!”

Role Models para os meninos:

As mensagens que os filmes Disney se encarregam de entregar às crianças sobre como se deve comportar e como de ser um Homem são bem mais simples. Resumindo em 5 palavras, o homem ideal deve ser rico, bonito, poderoso, dominante e, às vezes, corajoso. Não interessa se é apenas carinhoso ou afável, no final tem de haver casamento, e casamento com um príncipe feio não é casamento Disney.

São infindáveis os casos de personagens masculinas, protagonistas, que apresentam corpos robustos e aparência bonita. Mais serão os casos em que a personagem digna de conquistar a princesa é dominante, poderosa ou simplesmente rica. Claro que há uma ou outra excepção como em Aladdin, mas mesmo nesse exemplo existe um dos elementos do casal que é claramente abastado.

A dominância, poder e riqueza são, por isso, os requisitos primordiais que caracterizam o herói. Herói este, que geralmente acaba por ter de lutar com o vilão para obter a sua recompensa, a princesa. Posto isto, aquilo que define a masculinidade na maioria dos filmes é a batalha pelo amor de uma mulher ou simplesmente pela manutenção de poder.

Ensina às crianças que os homens ideais são poderosos, ricos e dominantes, ilustra a aparência que deve ter um herói e que tipo de recompensa existe para cada tipo de desafio, normalmente a “mão” de uma mulher.

É verdade que ao longo dos anos a produtora tem evoluído na forma como nos apresenta as imagens do feminino e masculino. Tem introduzido melhores e maiores valores às suas obras e, mais importante, tem conseguido conquistar o mundo infantil. Mas a tendência, apesar de ser de ligeira mudança, continua a ilustrar uma cultura conservadora e sexista que delineia vincadamente aquilo que devemos ver no homem e na mulher.

“As aparências Iludem”, menos na Disney:

Um dos aspectos que me faz mais confusão nos filmes Disney é o estereótipo de pessoa bonita=boa pessoa, pessoa feia=má pessoa. Porque é que todos os vilões são representados por pessoas gordas e baixas ou altas e magras mas sempre feias? Não interessa se é um homem ou mulher, se é novo ou se é velho… é sempre feio. O propósito será que as crianças identifiquem com maior facilidade a personagem má? Mas estar a atribuir essas características a personagens com caras feias não vai influenciar a percepção que têm das pessoas? Não será isso errado? A verdade é que já vivo neste planeta há algum tempo e posso com toda a certeza afirmar que existem pessoas más sob todas as formas e feitios. Por isso acho que não deve ser feita esta distinção.

É engraçado que se pegarmos em The Lion King, por exemplo, temos dois irmãos, Mufasa e Scar, não só um deles é elegante e bonito e o outro feio e magricela como parecem ser de raças diferentes. Scar é claramente mais escuro que Mufasa. Não é suposto serem irmãos? Os leões têm todos os mesmo tons de pelo, porque é que Scar é quase preto? Não querendo entrar por outro caminho de análise, também controverso no mundo Disney, vou-me ficar pelos sinais aparentes de beleza.

Aquilo que se vê no típico vilão Disney, seja ele um Deus (como Hades ou Ursula), um animal (como Scar) ou um humano (como Whicked Queen ou Jafar), é um ser solitário, feio e rancoroso. Em contraste o herói é geralmente alguém atraente e bem-sucedido. O que é que acontece aos que não são bonitos? Bem até agora só houve 2 casos, um em Beauty and The Beast e outro em The Hunchback of Notre Dame. No 1º caso o Monstro acaba por transformar-se num belo príncipe e tem um final digno de estória de encantar. No 2º caso, e ao contrário da obra original de Victor Hugo, a Disney entendeu inventar uma personagem masculina que pudesse casar com Esmeralda, neste caso o nosso herói, Corcunda, tem como recompensa poder aparecer em público.

É inquestionável que a beleza toma um lugar especial no mundo Disney. Aliando essa beleza às noções de masculinidade e feminilidade, temos uma verdadeira cultura do género com lugar definido para cada um e papeis que devem desempenhar na sociedade.

Pode parecer que não gostei ou não gosto dos filmes, mas a verdade é que gostei, cresci a ver e continuo a gostar de alguns deles. Gosto bastante do Lion King, Tarzan, Mulan, Hercules e The Hunchback of Notre Dame. Para escrever este artigo dediquei algumas horas e revi as histórias que me marcaram. Da mesma forma que estas obras influenciaram a minha infância, acredito que influenciem a de muitas outras crianças. Por isso, não quero levar este texto a um extremo e dizer que a Disney está a corromper a sociedade. Quero, simplesmente, mostrar que o “carimbo” Disney, nestas e noutras obras, pode não ser o comprovativo de excelência no que toca a transmissão de valores.

Em jeito de despedida, um joguinho de “descobre as diferenças” com alguns dos filmes Disney. Supostamente a reutilização de animação foi com o intuito de poupar algum dinheiro… vindo da mais monopolista empresa de entretenimento de que há memória, fica à reflexão de cada um.

Cumprimentos e até a uma próxima!

Cinema em Cenas #4 - Opening Scene - Raging Bull (1980)

A valsa de Jake La Motta. Sozinho, antes da batalha por si aguardada. Bem no inicio do filme, como se o que aí vem fosse o disfrutar de um verdadeiro combate de boxe.

Para mim esta é uma das melhores cenas de sempre, aquela que mais me prendeu sem fazer ideia da história que aí viria. Antecipa, subliminarmente, a natureza desta personagem arrebatadora e a incontestável performance de De Niro sob a direcção de, mais uma vez, Scorcese. É quase obrigatório rever esta cena assim que o filme acaba, como se fosse a verdadeira cereja que vem justificar a construção de todo o bolo.

Tonari no Totoro (1988)

Também conhecido por My Neighbor Totoro, esta será talvez a grande obra de lançamento/reconhecimento internacional de Hayao Miyazaki.

Conta-nos a história de 2 irmãs, crianças, que mudam de casa com o pai para uma zona rural do interior, possivelmente para uma zona mais próxima do hospital em que a mãe das duas se encontra internada. Seria de esperar que a mudança trouxesse tristeza, saudade ou depressão para as crianças, normalmente vulneráveis a mudanças e ambientes pouco estimulantes. Mas quando se deparam com uma casa velha e em mau estado, a sua reacção foi de alegria e motivação para a descoberta e a aventura, colocando o pai à prova cada vez que uma, normalmente a mais nova, desaparecia nas suas explorações. É numa dessas ausências que Mei encontra Totoro, um gigante deus da floresta bastante amigável, e acaba por se reconfortar com a felpuda criatura.

A mensagem da história prende-se com valores entregues à família, principalmente com a importância das mães na construção e suporte familiar e pessoal. A mãe de Satsuki (filha mais velha) e Mei encontra-se hospitalizada e é aí que Miyazaki vai buscar todo o sentido e propósito desta mensagem tão importante. Vemos diversas vezes Satsuki ter de reconfortar e suportar a irmã mais nova que sofre, na sua vulnerabilidade comum de infância, à falta de um ser maternal. E neste sentido a figura “mãe” é quase inexistente na obra, quase como um figurante com 2 linhas de diálogo em todo o filme, talvez para nos apercebermos, questionarmos e preocuparmos com a vida familiar sem aquela figura preciosa. Vemos Satsuki cozinhar, lavar, limpar e tolerar toda a lida de uma casa de família. Tudo numa mensagem muito subliminar e escondida, talvez existente apenas para os pais que normalmente vêem filmes de animação com os filhos, o que eleva ainda mais a genialidade de Miyazaki que consegue com uma mesma obra transmitir mensagens diferentes, quer para crianças quer para adultos.

É um filme terno, gracioso, reconfortante e abundantemente nostálgico. Transporta-nos para a infância e faz-nos relembrar os verdadeiros valores da família, amizade, carinho e solidariedade.

Cinema em Cenas #3 - Copacabana - Goodfellas (1990)

Copacabana shot. Um dos mais memoráveis de Goodfellas e de Martin Scrocese que consegue, aqui, orquestrar uma magnífica cena ininterrompida filmada com Steadicam. Tão perfeita que acabamos por nos esquecer que vemos a cena através de uma câmara que se vai perdendo e orientando nos corredores "staff only" de um luxuoso restaurante.

Cinema em Cenas #1 - Ride of the Valkyries - Apocalypse Now (1979)

A primeira cena escolhida para este novo capítulo no Blog é uma das minhas preferidas.
A escolha musical que alterou para sempre a forma e a sensação que sinto a ouvir este Wagner. Obrigado Coppola, pelo filme e por todas as suas cenas marcantes!