The Raid: 1º ou 2º?

É sempre um conflito garantido. Pegar num filme e fazer-lhe uma sequela é pedir instantaneamente comparação com o anterior. Pode não ser intenção, mas é impossível resistir à tentação principalmente quando os dois (ou três ou quatro) filmes vêm do mesmo autor. Em The Raid aconteceu exactamente isso, pelo menos comigo. Vi os dois filmes na mesma tarde e ficou-me atravessada a notória transformação que a obra levou.

Resta-me dizer qual foi o filme que gostei mais. Sem dúvida alguma que foi do 1º, TheRaid: Redemption. Mais uma vez deixei-me enganar pelas classificações do IMDb. Mas não consegui evitar a expectativa alta com que fiquei para o segundo após ter visto o primeiro. Se calhar não devia ter procurado ou lido sobre os filmes... mas isso hoje em dia, para mim, já é impossível.

The Raid: Redemption

Porquê o primeiro? Principalmente por não fugir ao seu propósito. The Raid é um filme de pancada. Nada mais. É um muito bom filme de pancada. Bom o suficiente para dizer que o cinema Americano está a anos luz de conseguir entregar ao espectador aquele tipo de acção. Isso é notório na realização, edição e utilização de tempo e espaço para a criação de movimento e interação entre personagens. O mais engraçado é que o realizador em questão, Gareth Evans, é Galês. É um ocidental com evidente influência de toda a escola de cinema de acção oriental. E isso nota-se. Não que se note que o Realizador seja ocidental, mas sim que o filme mantenha as características fundamentais de sucesso deste tipo de cinema dominado por orientais. Claramente que estamos a falar de um filme low budget para os parâmetros de concorrência internacionais de distribuição em massa, mas isso apenas se nota no obvio fraco recurso a efeitos especiais. Mas também, que falta faz isso se os próprios actores entregam toda a acção necessária ao filme? Quase nenhuma.

The Raid 2: Berandal

Posto isto, The Raid: Redemption é fiel a si próprio. É puro e genuíno e não tenta ser o que não é. Entrega acção, violência e suspense. Se a estória é boa? Bem, acho que isso dentro deste estilo não é muito relevante. Não da forma com EU olho para este tipo de cinema. E enquadro este filme na cena do Tropa de Elite (2007) de José Padilha. A estória era importante? Acho que não. Muito próximo deste “género” de cinema a estória será importante em filmes orientais ao estilo do thriller Coreano, Japonês e até Indonésio. Mas não aqui. E foi esse o pormenor que me fez não gostar tanto de The Raid 2: Berandal. Tentou fugir à sua personalidade narrativa. Com um budget quase quadriplicado, Gareth Evans tentou levar o filme a outra dimensão e tentou focar-se no argumento e entregar mais profundidade narrativa à estória. Acabou por entregar vilões cliché, cenas desnecessárias e confusão no plot. Tudo desnecessário se apenas tivesse tentado fazer aquilo que sabe fazer muito bem. O filme perde o cru, a densidade, a claustrofobia e frieza do primeiro (inteiramente passado dentro de um prédio) e vai parar longe daquilo que é. Com cenas “a céu aberto” sem adicionar nada diferente a uma estória que se apresenta com total diferença de propósito e que por isso mesmo precisava de mais para se aguentar ao longo das 2h30min de filme.

Se quiserem ver um bom filme de pancada vejam o The Raid: Redemption. Se quiserem ver um filme com alguma pancada mas que tenta ser outra coisa e chegar-se perto do thriller coreano... vejam The Raid 2: Berandal.

“Pulling the trigger is like ordering takeout...this is what its all about.” – Mad Dog (The Raid: Redemption)

Boyhood (2014)

Para quem ainda não tinha visto qualquer filme de Linklater até há dois meses atrás, como foi o meu caso, esta descoberta do autor pode ser fascinante. O realizador americano é alma, coração, nata absoluta na representação de vida, fases da vida e momentos fulcrais no desenvolvimento humano. Mas tudo com contraste na simplicidade e importância de cada etapa.

Esta ambição de Linklater é uma vez mais comprovada através de Boyhood. Neste seu novo projecto no qual acompanha o crescimento e desenvolvimento de Mason desde os 6 anos de idade até aos 18, Linklater e tenta recriar os sentimentos, pensamentos, vivências, experiências e relações que fazem parte desta longa e tenebrosa transição até à vida adulta.

Boyhood conta a história da vida de Mason mas encontra-se e procura identificar-se com o maior número de pessoas possível. É um filme que toca a todos e que não pode deixar ninguém indiferente. Provavelmente tudo isto é culpa da sua simplicidade, principalmente na forma como retrata os episódios da vida. Com ritmos bastante distintos ao longo do filme que lutam por ilustrar a instabilidade de humores na vida, que não é nem deve ser um mar de rosas.

Quanto mais penso no filme mais me apercebo da sua grandeza. Durante quase metade do filme tive dificuldade em perceber se era mesmo a história de vida de Mason ou se estávamos só a observar uma família. Mas até aqui Linklater foi genial. O início da nossa vida é rodeado por pessoas, sejam elas irmãos, pais, primos ou amigos. Essa dependência de outros vai desaparecendo e vamos procurando o nosso espaço, o nosso lugar e as pessoas com as quais mais nos identificamos. Tudo isto é brilhantemente, embora de forma subtil, evidenciado em Boyhood. À medida que Mason vai crescendo vamos vendo-o mais e mais independente, mais sozinho e determinado nos seus pensamentos. A pouco e pouco vai conquistando o seu lugar enquanto verdadeiro protagonista do filme. Tal qual como na vida de todos nós em que esse protagonismo pode/deve ser conquistado.

Boyhood foi, para mim, um verdadeiro espelho. E foi por isso mesmo que o achei genial. À obra e ao autor, que através do retrato mais simplista conseguiu encontrar e resolver a complexidade de ilustrar o crescimento e transição de uma criança para um jovem adulto de forma brilhante.

Mason: “I wish I could use the bumpers...”

Dad: “You don't want the bumpers, life doesn't give you bumpers.”

Gattaca (1997)

Gattaca é um thriller sci-fi distópico. A sociedade encontra-se dividida entre os “filhos de deus” (população de fecundação e nascimento comum, com todos os defeitos que o ser humano pode conter) e os geneticamente modificados. Estes últimos carecem de problemas de saúde ou de desequilíbrios psicológicos. Desejados por qualquer organização e considerados como um investimento seguro, estes seres de perfeição genética são os pilares da sociedade e constituem uma elite inalcançável por qualquer outro ser humano.

Não quero desvendar muito do plot do filme por risco de estragar possível experiência de visualização. Consequentemente resta-me constatar que estamos perante um obra que revitaliza a importância da acção humana num universo cada vez mais automatizado e desprovido de orientação intuitiva. É um filme que realça a importância e principal característica do ser humano. A força de vontade, a capacidade de sonhar e de seguir o que nos preenche o coração.

“You want to know how I did it? This is how I did it, Anton: I never saved anything for the swim back.” – Vincent

Indie Game: The Movie (2012)

Indie Game é um documentário no mínimo inspirador. Procura retractar as regalias e as dificuldades que um criador independente carrega. Seja este um criador de videojogos, objecto de estudo do documentário, seja um criador de qualquer outra forma de arte. E aqui a “forma de arte” será um dos pontos essenciais para compreender os valores entregues nesta obra. Aqui o criador é um artista, no sentido mais lato da palavra, é ele que concebe a ideia, desenha e constrói o mundo da sua personagem e entrega uma obra de arte para o mundo avaliar e, neste caso, jogar.

Acompanhamos as últimas fases de desenvolvimento de três dos maiores jogos indie de sempre. SuperMeat Boy, Braid e FEZ. E compreendemos as grandes diferenças entre estes jogos e os grandes jogos de prateleira das grandes produtoras. Diferenças óbvias que começam no próprio motivo e razão de existência dos videojogos e que acabam nos acessos à distribuição. Estes criadores têm coisas perceptíveis em comum mas a mais saliente será a justificação para a existência da sua concepção. Todos justificam o desenvolvimento dos videojogos como forma de expressão. Como forma de arte e como escape para os problemas que os afectam. Sinceramente não acredito que nada disso aconteça nas grandes produtoras e equipas de criadores. Não acredito que nas equipas de mais de mil programadores e designers todos compreendam a real razão de existência do jogo que estão a desenvolver. Se é que há alguma para além do lucro.

Indie Game é inspirador porque representa exemplos de pessoas que recusam exercer cargos em empresas em que provavelmente seriam notáveis em detrimento de liberdade e de entrega aos valores que acreditam. É a declaração dos videojogos como forma de arte e de expressão.

“My whole career has been me, trying to find new ways to communicate with people, because I desperately want to communicate with people, but I don't want the messy interaction of having to make friends and talk to people, because I probably don't like them.” – Edmund McMillen

Interstellar (2014)

Posso afirmar desde já que Interstellar é, para mim, o melhor filme de Nolan até hoje. É uma obra ambiciosa, talvez a mais da sua carreira, tem os seus momentos de acção, tensão e ansiedade mas sobretudo, e aqui é o ponto de viragem em que Nolan me surpreendeu mais, é brutalmente emotivo. Até agora ainda não tinha visto um único filme de Nolan com tamanha capacidade de criar uma verdadeira relação emotiva com a audiência. A única situação até agora tinha sido em The DarkKnight Rises na discussão entre Bruce e Alfred. Mas nada desta dimensão. Nada que eu sentisse verdadeiramente que toda a sala de cinema tenha alcançado a real razão de ser do “herói”. Porque isto, o amor, deve ser das coisas mais exigentes de exprimir em cinema. Principalmente o familiar e associado à saudade, à distância e até à sua própria ausência. Esta foi a nova dimensão que Nolan adicionou à sua equação.

Interstellar é irrepreensível em termos técnicos. Banda sonora, edições, planos, sequências e cinematografia. Se o é também em linhas de argumento? Uns dirão que sim e outros que não. Eu fico-me pela objectividade de dizer que serve o seu propósito e que mais ou menos certeza teórica não é para aqui chamada porque no mundo do sci-fi as regras do jogo são as do maestro que compõe a estória.

Pode-se fazer a comparação que se quiser com os clássicos que já se sabe que são as matrizes deste tipo de ficção. Mas se esta é uma obra que vai ficar na história apenas o tempo o dirá. Quanto a mim, é para rever.

"We've always defined ourselves by the ability to overcome the impossible. And we count these moments. These moments when we dare to aim higher, to break barriers, to reach for the stars, to make the unknown known. We count these moments as our proudest achievements. But we lost all that. Or perhaps we've just forgotten that we are still pioneers. And we've barely begun. And that our greatest accomplishments cannot be behind us, because our destiny lies above us."

Dazed and Confused (1993)

Uma confissão: nunca tinha visto nenhum filme de Linklater. Já tinha tentado. Mas gosto mesmo muito de ver os filmes certos para a disposição que tenho no momento e parece que hoje acertei em cheio. Sempre ouvi (li) que Linklater é um génio. Mas só agora percebi o porquê.

Dazed andConfused é o retracto mais simples, perfeito e completo que vi até hoje sobre a adolescência. Se calhar por ser tão intemporal e por tocar em aspectos que ainda hoje são o espelho da juventude. A irreverência, ansiedade, ambição, coragem, comodidade, o encontrar do seu próprio “eu” bem como as amizades, os círculos de amigos e as relações amorosas e familiares.

Mostra-nos o último dia de aulas de um grupo de jovens do secundário e um outro do 3º ciclo. Entremeando a estória do grupo de finalistas com o grupo de caloiros através dos rituais de recepção aos novos alunos e das festas de início de verão. Linklater consegue representar todos os grupos, indivíduos, e personagens que existem na adolescência, seja o grupo dos intelectuais, o dos atletas, o dos que estão na sua a fumar umas ou simplesmente daqueles que não querem saber de quaisquer convenções sociais. Há todo o tipo de jovens que ainda hoje fazem parte da juventude escolar, seja nos EUA seja em Portugal.

Dazed and Consfused é irreverente, impaciente e assertivo tal como o seu objecto de estudo. A juventude. Se a estória só se passa num dia, acredito que seja para demonstrar isso mesmo. Que sentido faria contar uma estória passada durante um mês acerca de alguém que apenas vive o momento?

“Man, it's the same bullshit they tried to pull in my day. If it ain't that piece of paper, there's some other choice they're gonna try and make for you. You gotta do what Randall Pink Floyd wants to do man. Let me tell you this, the older you do get the more rules they're gonna try to get you to follow. You just gotta keep livin' man, L-I-V-I-N.” - Wooderson

The Imposter (2012)

A experiência cinematográfica nos documentários por vezes pode ser limitada. Limitando-se os mesmos a apresentar um exercício semelhante a uma reportagem sem qualquer aspecto técnico relevante para a experiência de observação de um filme. The Imposter não é um desses casos. Pelo contrário. É cinema.

Como o próprio nome do Documentário indica, e sem dar nenhum spoiler, estamos perante um caso de fraude. Mas é possível que venha a estragar a visualização de quem ainda não viu. Por isso, aconselho a parar de ler e a ver de imediato o Doc em questão.

A história é-nos contada em 1ª pessoa pelo burlão. Trata-se de caso de desaparecimento de um rapaz de 10 anos do Texas que é dado como encontrado, em Espanha, ao fim de 4 anos. De facto, como é de esperar, não é a criança em questão que é encontrada mas sim este nosso vilão que se faz passar pelo jovem Norte-Americano. Consegue não só enganar toda a gente envolvida no processo de repatriação, como consegue, para seu próprio espanto, enganar a própria família de acolhimento.

É aqui que Bart Layton consegue fazer o clique de génio neste documentário. Durante quase todo o filme temos o vilão a falar de olhos directamente para a câmara. Consegue por desconfortável quem quer que esteja a ver porque sabemos que estamos a olhar para um burlão. Mas quando este nos revela aquela que acredita ser a causa da família nunca ter desconfiado que ele fosse seu filho, o espectador perde-se e entra em conflito próprio com a sua razão. Devemos acreditar no criminoso condenado por burla? Devemos acreditar na família que acolheu um estranho e o confundiu com o próprio filho? Este será, para mim, o triunfo de Bart na construção deste documentário.

The Imposter é um bom documentário. Apesar de perder um pouco de ritmo a meio, é um excelente caso de pura cinematografia e edição em documentários.

“Before I was born, I definitely had the wrong identity. I already didn't know--I was already prepared not to know who I really was.”

The Internet’s Own Boy: The Story of Aaron Shwartz (2014)

Confesso que nunca tinha ouvido falar da pessoa em questão. Pode ter sido completa distracção minha ou provavelmente será mesmo a confirmação daquilo que o documentário procura provar.

Aaron Swartz foi um génio da Internet que tal como outros, fundou e ajudou a construir alguns dos melhores sites e sistemas de partilha de informação online. Diferente desses outros foi a sua motivação. Swartz não tentou criar nenhum império multimilionário. Foi motivado pela liberdade de informação e, principalmente, pela liberalização no acesso a documentos e artigos científicos. Acreditou no avanço da humanidade através do livre acesso a esse conhecimento. Por ser considerado um activista no país errado, encontrou-se preso a um processo que levou a melhor de si. Esta foi a sua luta e a sua vida.

Brian Knappenberger consegue um documentário solido. Tenta mostrar-nos um pouco da curta carreira de Aaron e justificar toda a sua luta. Do lado oposto da tela consegue colocar uma série de questões que, aparentemente, continuam sem resposta. Todas se predem com o facto de não se conseguir decifrar qual a motivação por parte do governo em colocar uma das maiores mentes da nossa era atrás das grades.

Um documentário cativante e emotivo que nos faz valorizar a vida e nos ajuda a reflectir acerca do nosso impacto num mundo cada vez mais globalizado.

“Aaron is Dead. Wanderers in this crazy world, we have lost a mentor, a wise elder. Hackers for right, we are one down, we have lost one of our own. Nurturers, carers, listeners, feeders, parents all, we have lost a child. Let us all weep. ” – Sir Tim Berners-Lee

Killers (2014)

Vi ontem no Motelx aquele que poderá ter sido um dos melhores filmes do festival. Surpreendentemente a sala não era a maior e não estava cheia. Por alguma razão há de ter sido.

Killers é apresentado como a nova obra de The Mo Brothers, a dupla de cineastas indonésios que anda a tomar o cinema asiático de assalto. Mostra um filme nu, cru, frio e nada longe do sádico. Com uma mensagem tão aterrorizante quanto a violência explícita das suas imagens.

É um filme que preza pela cinematografia, banda sonora, alguns planos excepcionalmente bem conseguidos e um bom desempenho geral de todo o cast. Pode deixar um bocado a desejar com o seu final abrupto, mas no fim saí da sala com uma sensação de satisfação. É um filme aconselhável a qualquer fã do Thriller asiático.

5 Broken Cameras (2011)

Narrado e testemunhado em 1º pessoa, desde o início da ocupação israelita a uma aldeia palestiniana. O crescer da tenção, revolta e frustração por parte dos camponeses enquanto testemunham a ocupação das suas terras pelo exército israelita para a construção de aldeamentos (israelitas). Uma luta de força desproporcionais ao ponto do sadismo, de um lado, contra toda a originalidade possível de desempenhar por parte das populações.

Emad observa através do seu ímpar olhar o desenvolver de um conflito, a semente de um ódio que hoje é inevitável. Documenta os acontecimentos desde o 1º dia em que as tropas israelitas chegam à sua terra, bem como, em paralelo, o crescimento do 3º filho desde o dia do seu nascimento. É uma forma “perfeita” de ilustrar o conflito. Consegue demonstrar as repercussões que toda aquela guerra tem sob os habitantes da zona, mas também ajuda a compreender onde nasce o ódio, a vingança e a frustração. Usa o olhar de uma criança e consegue explicar a direcção para a qual aquele conflito se encaminha.

Ao longo do documentário Emad faz uso das suas câmaras até o momento em que cada uma delas é despedaçada pelas tropas israelitas. O final de uso de cada uma marca um capítulo fechado na história daquela população. Seja esse capítulo fechado por uma nova carga militar ou simplesmente um tiro de sniper, geralmente o início de um novo marca um crescente de desmesurado uso da força militar. No fim de contas o problema com que se deparam é nada mais que uma ocupação territorial e uso e abuso de força contra civis desarmados. Quer dizer, armados… com pedras.

Se este não é o género ideal de documentário então não sei qual será. O olhar de um vídeo amador, de quem vive e luta contra um problema. Se querem tentar perceber o que pode levar um homem ou mulher cometer suicídio ou juntar-se a uma causa armada, se querem tentar compreender qual o nível de desespero que uma pessoa pode suportar… podem começar por aqui.

“Healing is a challenge in life. It's a victim sole obligation. By healing, you resist oppression. But when I'm hurt over and over again, I forget the wounds that rule my life. Forgotten wounds can't be healed. So I film to heal. I know they may knock at my door at any moment. But I'll just keep filming. It helps me confront life. And survive.” – Emad Burnat

Locke (2014)

Locke é sem dúvida um filme que vale a pena ver. Sim, é verdade que é, como no trailer, inteiramente passado dentro de um carro. Sim, é só a interacção de um único actor, em forma física, com uns outros tantos por telefone. Não, não é uma seca. Pelo contrário, é um filme que desde início prende o espectador ao ecrã.

Ivan Locke (Tom Hardy) é um bem-sucedido Director de construção que tem em mãos tanto a maior das obras que a sua carreira profissional lhe poderia oferecer, como a queda da maior edificação da sua vida familiar. Ivan vive atormentado com a sua não relação com o pai e, por isso, é obcecado em viver a vida nos limites éticos e morais de qualquer código de conduta e honra. Mas como não passa de um comum mortal Ivan tem um pequeno deslize. Alegoricamente, como explicado no filme aquando uma conversa entre Ivan e o seu encarregado, esse pequeno deslize pode ser visto como uma pequena fenda na fundição de um prédio. À medida que vamos acrescentando peso ao edifício, a fenda vai aumentando até ao ponto de fazer cair toda a estrutura. Neste caso, a fenda aparentemente já estava criada na vida de Ivan desde nascença. Tal como o próprio afirma “concrete is blood!”, o que nos diz que a natureza do seu pai acompanhou-o para a vida e que quanto mais Ivan escalou na hierarquia familiar e social, maior foi a sua queda.

É uma obra que prima pelo excelente e incontornável desempenho de um Tom Hardy que há muito precisava de um papel neste registo. Do trabalho que conheço de Hardy, este talvez será o seu melhor com a excepção de Bronson. É uma obra de aprimorada gestão de espaço, tempo e emoção, que consegue suportar toda a estrutura e entregá-la com sucesso ao espectador. Talvez este tenha sido o triunfo de Steven Knight.

The Cabin in the Woods (2012)

Este podia ser mais um filme terror, daqueles bem cliché. Com um grupo de universitários que aproveitam um pequeno fim-de-semana para passar no meio da floresta e acabam a ser atacados por um bando de zombies, ou massacrados, ou torturados, ou qualquer outra coisa por qualquer outro monstro/perigo/predador. Mas por acaso até é esse tipo de filme. Ou será que não é? Eu nem consigo definir bem o género de filme que vi. 

Esse mesmo grupo de jovens, influenciado por uma agência secreta (que mesmo depois do final do filme, continua ser), é forçado a tomar um conjunto de decisões que invariavelmente vão levar ao seu massacre, um por um tal como em qualquer filme de terror que se preze. Tudo enquanto estão a ser monitorizados e encaminhados para o seu fim de vida prematuro. Uma versão gore de The Truman Show fundido com The Hunger Games. 

The Cabin in the Woods certamente terá o seu lugar especial entre os que desafiaram a regra, até porque mesmo o fazendo lá a foram cumprindo. Pode parecer confuso, mas só estou a tentar evitar spoilers. Tudo porque o filme em questão está tão carregado de twists que só mesmo vendo o filme é possível perceber o desafio de o descrever. 

De qualquer forma, é um filme razoável. Com todas as falhas que seriam de esperar e com a mesma dificuldade de sempre em entregar um final mais palpável. Só resta mesmo, para quem ainda não o fez, ver o filme. Não perde assim tanto, na sua essência é um bom entretenimento, ainda que muito mal explicado. But who cares?

“Yeah, uh, I had to dismember that guy with a trowel. What have you been up to?” - Marty

Barry Lyndon (1975)

Não há dúvida que este será um dos melhores trabalhos de Kubrick e provavelmente um dos seus mais desvalorizados. Talvez pelo ritmo lento e de pouco entretenimento não será o tipo de filme que agrada ao espectador comum, mas, sem dúvida, vale a pena um pequeno esforço para aqueles que procuram uma verdadeira jóia do cinema.

Barry Lyndon é uma pequena odisseia de um jovem confuso e sem muitos princípios na europa do séc. XVIII. O acompanhar na vida de uma máscara fugida e escondida na dispersa sociedade aristocrática. Com passagens pelo exército, trapaças e tentativas de arrecadar títulos, esta obra acompanha o jovem irlandês desde o início da sua adolescência até o ponto mais alto a que a sua determinação e ambição o levaram. Tenta mostrar os interesses e a maldade do jogo de poderes na sociedade e pode ser transposto para a realidade dos nossos dias que vivemos numa sociedade cada vez mais provida interesses particulares em detrimento do bem comum.

Para mim, o mais interessante desta obra é sem dúvida toda a realização e envolvente que Kubrick consegue criar. Das duas vezes que tive o prazer de olhar para o ecrã e ver esta magnífica peça, fiquei obcecadamente preso naquelas cenas. Kubrick consegue o que qualquer realizador de filmes de época tenta... transportar o espectador para aquele mundo. É óbvio que não posso sequer imaginar como era a vida naquela época, mas o que se vê nesta obra é uma realidade que parece existir numa altura em que nem sequer havia câmaras. Ou seja, com os passeios de coche, as caminhadas à beira dos lagos, as festas e cerimónias, duelos, batalhas e cenas atrás de cenas filmadas somente à luz de velas sem recurso a luz artificial Kubrick transporta-nos, como poucos conseguem, para ali, para aquele momento.

Em última instância é um filme envolvente e, para mim, uma perfeita obra-prima, um quadro assinado por Stanley Kubrick.

“I’m not sure if I can say that I have a favourite Kubrick picture, but somehow I keep coming back to Barry Lyndon. I think that’s because it’s such a profoundly emotional experience.” Martin Scorcese