Tonari no Totoro (1988)

Também conhecido por My Neighbor Totoro, esta será talvez a grande obra de lançamento/reconhecimento internacional de Hayao Miyazaki.

Conta-nos a história de 2 irmãs, crianças, que mudam de casa com o pai para uma zona rural do interior, possivelmente para uma zona mais próxima do hospital em que a mãe das duas se encontra internada. Seria de esperar que a mudança trouxesse tristeza, saudade ou depressão para as crianças, normalmente vulneráveis a mudanças e ambientes pouco estimulantes. Mas quando se deparam com uma casa velha e em mau estado, a sua reacção foi de alegria e motivação para a descoberta e a aventura, colocando o pai à prova cada vez que uma, normalmente a mais nova, desaparecia nas suas explorações. É numa dessas ausências que Mei encontra Totoro, um gigante deus da floresta bastante amigável, e acaba por se reconfortar com a felpuda criatura.

A mensagem da história prende-se com valores entregues à família, principalmente com a importância das mães na construção e suporte familiar e pessoal. A mãe de Satsuki (filha mais velha) e Mei encontra-se hospitalizada e é aí que Miyazaki vai buscar todo o sentido e propósito desta mensagem tão importante. Vemos diversas vezes Satsuki ter de reconfortar e suportar a irmã mais nova que sofre, na sua vulnerabilidade comum de infância, à falta de um ser maternal. E neste sentido a figura “mãe” é quase inexistente na obra, quase como um figurante com 2 linhas de diálogo em todo o filme, talvez para nos apercebermos, questionarmos e preocuparmos com a vida familiar sem aquela figura preciosa. Vemos Satsuki cozinhar, lavar, limpar e tolerar toda a lida de uma casa de família. Tudo numa mensagem muito subliminar e escondida, talvez existente apenas para os pais que normalmente vêem filmes de animação com os filhos, o que eleva ainda mais a genialidade de Miyazaki que consegue com uma mesma obra transmitir mensagens diferentes, quer para crianças quer para adultos.

É um filme terno, gracioso, reconfortante e abundantemente nostálgico. Transporta-nos para a infância e faz-nos relembrar os verdadeiros valores da família, amizade, carinho e solidariedade.

Previsão para os Oscars - awards season #2

A temporada de prémios aproxima-se do fim e esta noite serão entregues os prémios mais desejados, pelo menos para o cinema americano. Depois de entregues os SAG, Critics Choice, BAFTA, Globes e ontem os Spirits, podemos tomar como barómetro os vencedores e tentar fazer uma previsão dos possíveis resultados desta noite. Não me vou estender por todas as categorias porque, para além de não ter visto todos os filmes nomeados, não tenho capacidade de avaliar certas matérias.

Como todos os anos os Oscars começam as polémicas logo desde as nomeações, vou dar a minha opinião acerca de quem deveria ganhar ou ser nomeado.

Melhor Filme:

Vencedor: 12 Years a Slave

Quem deveria ganhar: 12 Years a Slave

Quem devia ter sido nomeado: La vie d’Adèle

Melhor Filme Estrangeiro:

Vencedor: La Grande Belezza

Quem deveria ganhar: La vie d’Adéle

Quem devia ter sido nomeado: La vie d’Adèle

Melhor Realizador:

Vencedor: Alfonso Cuarón – Gravity

Quem deveria ganhar: Alfonso Cuarón – Gravity

Quem devia ter sido nomeado: Spinke Jonze – Her

Melhor Actor:

Vencedor: Matthew McConaughey – Dallas Buyers Club

Quem deveria ganhar: Chiwetel Ejiofor – 12 Years aSlave

Quem devia ter sido nomeado: Michael Shannon – The Iceman

Melhor Actriz:

Vencedora: Cate Blanchett – Blue Jasmine

Quem deveria ganhar: Cate Blanchett – Blue Jasmine

Quem devia ter sido nomeada: Adèle Exarchopoulos – La vied’Adèle

Melhor Actor Secundário:

Vencedor: Jared Leto – Dallas Buyers Club

Quem deveria ganhar: Michael Fassbender – 12 Years aSlave

Quem devia ter sido nomeado: Daniel Bruhl – Rush

Melhor Actriz Secundária:

Vencedora: Lupita Nyong’o – 12 Years a Slave

Quem deveria ganhar: Lupita Nyong’o – 12 Years a Slave

Melhor Argumento Original:

Vencedor: Spike Jonze – Her

Quem deveria ganhar: Spike Jonze – Her

Melhor Argumento Adaptado:

Vencedor: John Ridley – 12 Years a Slave

Quem deveria ganhar: John Ridley – 12 Years a Slave

Melhor Cinematografia:

Vencedor: Emmanuel Lubezki – Gravity

Quem deveria ganhar: Emmanuel Lubezki – Gravity

Quem devia ter sido nomeado: Hoyte Van Hoytema – Her

Melhor Edição:

Vencedor: Alfonso Cuarón, Mark Sanger – Gravity

Quem deveria ganhar: Alfonso Cuarón, Mark Sanger – Gravity

Quem devia ter sido nomeado: Thelma Schoonmaker – The Wolf of Wall Street

Melhor Som/ Edição de Som/ Efeitos Especiais:

Vencedor: Gravity

Quem deveria ganhar: Gravity

Quem deveria ter sido nomeado: Pacific Rim

Melhor Banda Sonora:

Vencedor: Steven Price – Gravity

Quem deveria ganhar: Steven Price – Gravity

Posto isto, o grande vencedor da noite será Gravity com 6 ou 7 prémios no bolso. O grande derrotado será Amercian Hustle que com 10 nomeações apenas me parece um possível candidato a levar o prémio com Lawrence, quanto às técnicas de costume e production design não sou capaz de fazer previsões. O grande “roubo” do ano vai para La vie d’Adèle que consegue ficar de fora de qualquer categoria, mesmo sendo um claro candidato a pelo menos 3 e um dos melhores filmes do ano, sem margem para dúvidas.

Mononoke-Hime (1997)

 

A magia intrínseca nas obras de Miyazaki é incontestável. Acontece não só pela fantasia narrativa de cada peça e cada frame, como pela intencional aproximação a temas não tocados em outras obras de animação. Mais uma vez isso acaba por acontecer em Mononoke-Hime (Princess Mononoke) onde Miyazaki demonstra, na sua maneira sublime, o impacto nefasto da exploração humana dos recursos naturais numa era que se aproxima do início da revolução industrial japonesa.

Ashitaka procura a cura de uma doença/vírus/praga mortal que assola a sua região e acaba, enquanto viaja, por se deparar com uma guerra aberta entre os deuses da floresta e a cidade de Tatara. Liderada por Lady Eboshi, Tatara é uma colónia mineira com um imenso poder conseguido através do seu armamento de fogo, nitidamente sofisticado para a altura. Tão complexo quanto a ambição que Eboshi tem em vir a governar o mundo sem olhar a meios para alcançar os fins. Mesmo que isso passe por aniquilar toda a floresta e os seus deuses animais, gigantes dotados de capacidades ultranaturais.

É notória a mensagem complexa (ou não) inerente a esta obra intemporal do Mestre japonês. A crítica ao voraz consumo do planeta e o nosso impacto nos recursos imateriais e limitados que consumimos desmesuradamente. É uma verdadeira obra-de-arte da animação que parece mais direccionada para adultos do que para crianças, mas que se for bem pensada até que nem é má ideia começar por introduzir este tema desde tenras idades.

Narrator: “In ancient times, the land lay covered in forests, where, from ages long past, dwelt the spirits of the gods. Back then, man and beast lived in harmony, but as time went by, most of the great forests were destroyed. Those that remained were guarded by gigantic beasts who owed their allegiances to the Great Forest Spirit. For those were the days of gods and of demons...”

Bica #4 - Ark

Apesar de andar com falta de tempo entre mãos para poder actualizar devidamente este meu espaço, arranjei um pouquinho para partilhar mais uma Bica. Afinal, se nem houver tempo para uma curta, que sentido isto faz?

Desta vez apresento-vos Ark. Uma curta, mas difícil e atribulada passagem pela vida. Quando um vírus ataca a humanidade a única salvação é o Oceano e a fuga em navios descomunais.

Realização: Grzegorz Jonkajtys

Iniciativa Caminho Largo: 1 Tema, 3 Coordenadas, 1 Posição

Foi com enorme prazer que respondi positivamente ao convite de participar na iniciativa de Jorge Teixeira, autor do blogue Caminho Largo. É um orgulho fazer parte desta comunidade e colaborar com uma iniciativa que promove o diálogo e a promoção de ideias e saberes entre todos os leitores.

Obrigado pelo convite, pela escolha e pelo teu espaço, uma verdadeira casa do cinema e da comunidade.

Cumprimentos,

João Curado

Her (2013)

A ambição de Spike Jonze (realizador e argumentista) é tão grande quanto o tema a que se compromete a abordar em Her. Apresenta-nos uma obra difícil de imaginar e, possivelmente, ainda mais complicada de executar, pela sua temática tão sentimental e abstracta como o amor, principalmente o amor enquanto paixão, atracção, carinho e sensualidade complicada de definir que sentimos por outro ser humano. Aqui será “humano” a nossa palavra-chave, uma vez que Jonze cria um mundo futurístico, não longínquo, em que o homem caminha para um universo despido de afecto, relações e interacções sociais entre seres-humanos. (Um pequeno exercício para quem ainda não viu: tentem encontrar, no filme, um grupo de pessoas com mais de 3 elementos)

Theodore (Joaquin Phoenix) é um criativo que trabalha escrevendo cartas de amor endereçadas a estranhos por encomenda dos seus parceiros. Constrói relações através das suas palavras e ao mesmo tempo vive na solidão e melancolia de uma recente separação ainda custosa de atravessar. Aquando da actualização do seu sistema operativo (OS), agora inventada a inteligência artificial para OS’s, fecha-se a janela da solidão. Conhece Samantha (brilhante Scarlett Johansson), o sistema inteligente adaptado à sua personalidade, que procura corresponder e assegurar todas as necessidades emotivas e sociais de Theo. Acabando os dois, por culpa da necessidade e procura humana de afecto, por se apaixonar.

O filme transporta-nos para um universo futuro e podemos chamar ao seu género Sci-fi, mas é importante perceber que aquilo que Jonze faz é diferente daquilo que foi mostrado ao longo de anos deste género cinematográfico. Não temos carros voadores, conquistas do espaço, monstros dos confins do universo ou robots psicopatas, temos sim um ensaio da relação humana e onde nos encontraremos enquanto ser. Ao ver a peça é inevitável pensar em inúmeras outras obras em que os intervenientes, também personagens dotadas de inteligência artificial, procuram um toque e um tratamento mais próximo do que é o amor e as sensações do ser humano. Filmes como Blade Runner (1982) ou AI (2001) tocam na temática das necessidades humanas do amor, carinho e afecto ou simplesmente aceitação enquanto identidades diferentes. Mas o que é feito em Her consegue percorrer um outro caminho, não só porque a nossa OS não assume uma forma física mas porque consegue explicar o quão cada vez mais nos aproximamos de uma civilização despromovida de interacção corporal entre humanos.

Não é difícil pensarmos em como as redes sociais e todas as formas de comunicação moderna já mudaram a forma como nos relacionamos com o mundo e com amigos, por isso, acho que o exercício mais importante deixado por esta obra de Spike Jonze é a reflexão.

Cinema em Cenas #3 - Copacabana - Goodfellas (1990)

Copacabana shot. Um dos mais memoráveis de Goodfellas e de Martin Scrocese que consegue, aqui, orquestrar uma magnífica cena ininterrompida filmada com Steadicam. Tão perfeita que acabamos por nos esquecer que vemos a cena através de uma câmara que se vai perdendo e orientando nos corredores "staff only" de um luxuoso restaurante.

Short Term 12 (2013)

Mais uma obra para nos fazer pensar, sentir e perceber os nossos problemas, podendo ser estes tão pequenos e tão insignificantes que, eventualmente, nem existam.

Short Term 12 acompanha o quotidiano de Grace (Brie Larson), uma jovem que trabalha numa instituição de acolhimento de jovens que atravessam sérios problemas familiares e que necessitam de assistência próxima. A relação entre os jovens e os “tutores” por vezes poderá parecer um pouco conflituosa, mas a vivência e a falta de carinho e afecto familiar de cada um leva à construção e aceitação de uma nova família entre os adolescentes. A nossa narradora (Grace) faz de tudo para criar um ambiente seguro e o mais saudável possível para cada um através da sua atitude, não de durona e autoritária, mas sim de "irmã mais velha", com brincadeiras pelo meio e interacção através de palavras pouco formais.

Ao longo do filme vamos percebendo a verdadeira metamorfose por que Grace começa a passar. Depois de uma cadeia de acontecimentos pessoais começamos a ver Grace fragilizar e percebemos o quão importante aquela “família” é para ela. A necessidade que Grace tem de “trabalhar”, de ajudar e por vezes salvar aqueles jovens para se concretizar e se sentir melhor é uma das mensagens mais importantes do filme. Faz-nos acreditar numa sociedade mais próxima e mais carinhosa, faz-nos pensar em todas as pessoas que foram e são “desperdiçadas” e “perdidas” sem que ninguém lhes dê devido valor. E é isso que o filme quer e consegue fazer na perfeição. Dar valor à família, aos amigos e à comunidade onde vivemos.

Destin Cretton afirma-se como uma das maiores promessas do cinema americano. Consegue orquestrar uma peça fenomenal, carregada de sentimento e sem nunca perder ritmo. Numa narrativa, que embora apoiada num argumento excepcional, consegue fazer-se valer naquele grupo de actores, em que cada um dá uma contribuição mais preciosa que o anterior.

É um filme obrigatório, não pela sua qualidade incontestável, mas sim pela sua mensagem. Ver este filme torna-se uma necessidade para o bem comum.

Breaking Bad em Fotos #1 - 1º Ep 1ª Temp.

####SPOILER ALERT####

Cinema em Cenas #2 - Car ambush - Children of Men (2006)

Uma das cenas mais memoráveis do brilhante Children of Men, com a acção a desenrolar-se no interior de um carro em fuga. A complexidade da cena prende-se com a perfeita sincronia dos actores com a movimentação da câmara e a, compreensiva, dificuldade na gestão do espaço e tempo. Ao longo da cena percebemos que vemos um único take e com a movimentação da câmara sentimo-nos ao mesmo tempo presentes e, quase, claustrofóbicos.
Curioso termos nesta mesma cena dois dos maiores candidatos deste ano aos principais prémios internacionais. Chiwetel Ejiofor (12 Yeras a Slave) condutor do veículo e o realizador Alfonso Cuarón (Gravity) condutor da perfeita valsa entre actores e camera.